Contro il cinema

Carmelo Bene

Carmelo Bene (1937-2002) non è stato soltanto la figura più straordinaria del teatro italiano. Nel suo eclettismo, e nella sua infaticabile ricerca di nuove forme d’espressione, ha anche attraversato come una meteora il nostro cinema. Cinque lungometraggi, tra il 1968 e il 1973, inclassificabili e geniali, una «parentesi» rinnegata che ha lasciato un segno sotterraneo fino a noi. In quegli anni, e subito dopo, Bene ha portato il cinema ai suoi limiti, liberandolo dalla tirannia del racconto e della comunicazione. Qui vengono raccolte per la prima volta le interviste più significative che Bene ha concesso commentando il proprio cinema e quello degli altri: un’esplosione di invenzioni teoriche, paradossi, definizioni fulminanti, in una lotta accanita e autodistruttiva con l’interlocutore e con gli spettatori.

[Minimum fax – pp. 196 € 15,00]

Woody Allen – Guida a un uso responsabile

Stefano Brenna

Il cinema di Woody Allen è una riflessione sull’uomo, sull’amore, sull’America, sul mito della civiltà democratica, su una realtà controversa e ormai aggrovigliata attorno a sani principi, valori della famiglia e fede in Dio. In questo senso, Woody Allen è il superstite di una tradizione critica che conserva il dono di uno sguardo lucidissimo e di una scrittura dissacrante che grazie a Ike (il protagonista di Manhattan), a Harry Block (Harry a pezzi), a Boris (Basta che funzioni) e al recentissimo Halfie (Incontrerai l’uomo dei tuoi sogni) continua a dare un nome e un volto a un presente che non smette mai di essere già futuro.
[Book Time Editore – pp. 256 € 18,00]

Dieci film. Esercizi di lettura

Luca Malavasi (a cura di)

“Arte” nobile e ormai storicamente assestata, l’analisi del film è uno strumento essenziale non soltanto per capire meglio i film, il loro linguaggio e il loro funzionamento, ma anche per
amarli in modo diverso, più intenso e originale. Il libro raccoglie dieci “esercizi” di lettura e interpretazione di altrettanti studiosi e critici, alle prese con alcuni film “del cuore”, da Nanà e Amarcord a Grizzly Man e L’ultimo spettacolo. Ogni film consente ai singoli autori di svelare, dietro le immagini, discorsi più complessi e profondi, riferiti ora al contesto storico, politico e sociale, ora alla storia del cinema, alla sua estetica e ai suoi principi costitutivi. E da autore ad autore cambiano anche i metodi messi in campo per far “parlare” i film, fino a trasformare questi dieci esercizi in un prontuario di analisi.
[Le Mani Editore – pp. 128 € 14,00]

 Alle origini di Gomorra - Salvatore Piscicelli tra Nuovo cinema e Neotelevisione

Francesco Crispino

Alla fine degli anni ’70 l’Italia vive un passaggio cruciale. Non solo politico e sociale, ma anche (e soprattutto) mediatico e culturale. È negli anni del “riflusso” che infatti si realizza lo storico “passaggio di testimone” tra il cinema, fino ad allora principale medium di riferimento popolare, e la televisione. Un passaggio che riflette un periodo di grande confusione, ma in cui si ravvisa un’inconsueta libertà espressiva. In tal senso l’analisi degli esordi di un artista intermediale come Salvatore Piscicelli, capace di mescolare varie discipline e far dialogare diversi medium, ne mette in evidenza tutte le contraddizioni, ma anche le grandi possibilità. Un’operazione sperimentale determinante per comprendere il “nuovo cinema napoletano”.

 [Liguori Editore – pp. 176 € 19,90]

Cinegomorra - Luci e ombre sul nuovo cinema italiano

Simone Isola (a cura di)

Si verifica con scadenze irregolari, da molti decenni a questa parte, la stagione fortunata del cinema italiano. Che fa gridare alla rinascita, a un rRisorgimento in celluloide. In realtà il panorama è difficile da decifrare, ricco di sfumature, di ombre, di ombre che questo volume prova almeno in parte ad eliminare.
[Sovera Editore – pp. 192 € 15,00]

Storia del cinema - Un'introduzione
David Bordwell, Kristin Thompson

A ragione gli studiosi sostengono che non esiste una storia del cinema, ma tante storie. Tuttavia, in questo libro - destinato tanto a studenti universitari quanto ad appassionati - la storia del cinema non è presentata come un concentrato di tutto ciò che è stato detto o studiato sull’argomento. Gli autori pensano che scrivere la storia del cinema significhi porre una serie di domande e andare in cerca di prove per cercare di rispondere con argomentazioni puntuali. In questo libro essi si sono concentrati su tre ordini di questioni: come sono cambiati gli usi del mezzo cinematografico nel corso del tempo? Come ha influito l’industria cinematografica (nelle sue ramificazioni di produzione, distribuzione ed esercizio) sugli usi del mezzo filmico? Infine, come hanno preso forma delle tendenze internazionali sia negli usi del mezzo sia nell’andamento del mercato cinematografico?
Il volume, basato sulla nuovissima terza edizione americana, è aggiornato ai nostri giorni, in modo da rendere conto del dibattito più recente, come il mutamento conseguente all’introduzione del digitale.

[McGraw-Hill  pp. 578  – € 39,00]

Il suono e l'immagine - Musica, voce, rumore e silenzio nel film

Vincenzo Ramaglia

Lo spettacolo cinematografico è da sempre uno spettacolo audiovisivo. Uno spettacolo, dunque, che coinvolge non soltanto la vista, ma anche l'udito dello spettatore. Tuttavia, la saggistica (italiana, almeno) ha sempre trascurato il rapporto complesso e cruciale tra suono e immagine interessandosi, al limite, a una soltanto delle sue molteplici sfaccettature: la musica da film. Questo testo si propone di colmare questa lacuna, occupandosi invece del suono cinematografico a 360 gradi: fatto non solo di musica, ma anche di parole, di rumori e persino della propria assenza. Un intero capitolo è dedicato infatti al silenzio. Attraverso l'analisi di un numero nutrito di sequenze, il suono cinematografico viene indagato nella sua interazione col racconto filmico (analisi diegetica), con le immagini di una singola sequenza (analisi sincronica) e con la struttura audiovisiva di un intero film (analisi diacronica). Durante la trattazione, il suono si aggiudicherà funzioni sempre più profonde e complesse di quella subordinata e passiva di accompagnare, sorreggere, assecondare, illustrare il decorso visuale (parallelismo). Si dimostrerà in grado di sovvertire il messaggio visivo, di conferire cioè alle immagini un valore aggiunto, un senso nuovo, sia contrapponendosi ad esse (contrappunto), sia emancipandosene, in un'indifferenza (effetto anempatico) a cui - in questa sede - verranno riconosciute importanti potenzialità estetiche ed espressive. Attraverso l'individuazione di un ampio spettro di possibilità combinatorie tra livello sonoro e livello visivo, verrà dunque dimostrato il ruolo vitale, dinamico e imprescindibile del suono nell'ambito del linguaggio cinematografico. Vincenzo Ramaglia, compositore e docente di linguaggio audiovisivo, dirige a Roma l'Accademia Europea di Cinema e Televisione Griffith2000. Tiene stages di formazione per compositori di musica da film. È autore di opere da camera, musiche orchestrali e colonne sonore.

 [Audino Editore  – pp. 112 € 14,00]

 101 film d'azione

Steven Jay Schneider

Dai classici film di James Bond fino alle avventure mozzafiato firmate Tsui Hark, John Woo e Christopher Nolan, 101 film d'azione passa in rassegna i capolavori di un genere cinematografico tra i più popolari. Andrenalinico, spettacolare, spesso morboso, il cinema d'azione trascina lo spettatore in una girandola di emozioni spingendolo a identificarsi con i protagonisti, non importa se buoni o malvagi. Rapine, uccisioni, fughe, spionaggio (e ultimamente anche terrorismo) sono gli ingredienti tipici di un genere che gioca spudoratamente con la materia stessa di cui sono fatti i sogni; lo spettatore passa da scene di violenza iperbolica ad altre di suspence, mentre fa propria la determinazione di personaggi che appartengono a una dimensione quasi sovraumana. Sete di violenza o desiderio di giustizia? Da Assalto al treno del 1903 fino ad Avatar, 101 film d'azione è una guida estremamente curata a una cinematografia straordinariamente influente dal punto di vista tecnico e narrativo, i cui protagonisti divengono spesso beniamini del pubblico e vere e proprie icone del proprio tempo.

 [Atlante libri – pp. 416 € 14,50]

Tutto il mondo ride - La nascita della commedia cinematografica sovietica

Enrico Ruggeri

Nel 1932, all’indomani della nascita del cinema sonoro e delle conquiste economiche che determinano un miglioramento delle condizioni sociali in URSS, Stalin commissiona al regista Grigorij Aleksandrov la creazione di una commedia per il popolo sovietico, un nuovo genere cinematografico che sia al tempo stesso educativo e spensierato, che faccia ridere. Aleksandrov, reduce da un viaggio di tre anni in Europa e America con Ejzenštejn e l’operatore Tissé, accetta di dirigere Vesëlye Rebjata (Tutto il mondo ride). Il film risente delle influenze avanguardistiche occidentali, in particolare della comicità surreale della slapstick comedy di Charlie Chaplin, ma soprattutto rappresenta la risposta cinematografica del Realismo Socialista a quello che il cinema di Hollywood era per il New Deal: un cinema di evasione, un luogo di rifugio dalle difficoltà sociali. Tutto il mondo ride, negli anni Trenta. Tutto il mondo deve ridere, perché la risata è una delle armi più potenti contro i mali del passato.

[Archetipo Libri  – pp. 124 € 16,00]