Cinema "anziano" che – come certi canuti cowboy affacciati da secoli alle verande del Wyoming -  guarda al passato, racconta pateticamente la fine di un mondo – la fine del West – attaccandosi alla bottiglia dei ricordi ed illudendosi di poterci ancora cavare qualcosa di buono per i 16enni che vanno al cinema nel 2007.

Siamo di fronte al punto più basso toccato dalla carriera dello stuntman Jason Transporter Statham, promosso da Guy Ritchie e dalle ben più valevoli produzioni di Besson a protagonista di action-movies, girato da due registi che come tanti altri si sono già dimenticati di film ben più estremi formalmente firmati da Soderbergh, come il simile L’inglese.

Le immagini del nuovo film di Manoel De Oliveira accarezzano la pelle, scivolando nell’intimità del cuore, dei ricordi, dei segni, dei gesti, degli attimi trascorsi, passati, riflessi come in uno specchio. Esce in sala con quasi 2 anni di ritardo essendo stato presentato in concorso al Festival di Venezia nel 2005. Dal romanzo Alma dos ricos (L’anima dei ricchi) di Augustina Bessa-Luis

Ambientazione esotica (con un’Africa come sempre da cartolina) per un ibrido cinematografico che alterna l’horror acquatico (ma dopo Lo squalo è difficile inventarsi qualcosa di nuovo) ad una ipocrita rappresentazione di una delle tragedie più grandi degli ultimi anni, quella appunto dello sterminio dei Tutsi (che tra l’altro avvenne principlamente in Ruanda).

E’ cosa nota che nei primi quindici minuti di qualsiasi lungometraggio, visionandolo con una certa attenzione, si può comprendere come esso andrà a proseguire, ben più raro invece avere l’intero “complesso filmico” in una sola inquadratura senza stacchi di montaggio e senza una parola di dialogo. Antal ci riesce.

Quello di J. S. Cardone è un horror che soprende per il fascino oscuro e gotico delle location montane e notturne. Senza picchi di suspense o idee originali, ma con tutta l'umiltà dell'artigiano che sa incollare immagini

Olivares guarda altrove: l’umanità, le facce, il gioco infinito del cinema. L’immanenza dello spazio si fa immagine sterminata e musica - le due carte vincenti di un film piccolo, semplice, leggero e godibile

Distribuito alla rinfusa in mezzo ai vari blockbuster estivi, Sguardo nel vuoto sembrerebbe il solito scarto di magazzino di luglio: anche se rimane un film troppo calibrato per entrare davvero nella memoria, è un prodotto medio senza pretese, coinvolgente quanto basta per meritare la visione

Nuovo film d’animazione ambientato nelle profondità dell’oceano, The Reef è una storia edificante sull’importanza dell’amicizia e sulla forza del coraggio e della tenacia. Una morale facile ed edificante, che sconta il difetto di un’animazione non sempre all’altezza

 Presentanto in Concorso al Festival di Cannes del 2006, tratto dal bestseller di Eric Schlosser e prodotto da Jeremy Thomas, il film di Linklater appare intrappolato in una scrittura che lo rende immobile e statico e si disperde in più vicende parallele che allentano la tensione degli squarci più vicini alle forme del documentario e condiziona uno sguardo che mortifica anche lo spazio della frontiera

Viene da chiedersi che fine abbia fatto il talento visivo messo in mostra dal regista nel suo scorso lavoro, quel Thomas in Love tutto in soggettiva che sebbene non originale almeno si dimostrava “vivo”. E lo stile con cui Renders girava il suo film precedente torna a fare capolino in un’unica sequenza, sorta di spot stile pubblicità-progresso

I mondi che l’occhio di Cucurnia prova a fotografare: dove i giovani sono impauriti, i trentenni deboli e smarriti, e i cinquantenni distratti e lontani, sono microcosmi che lamentano una superficialità troppo televisiva, quasi bozzettistica, mai veramente marchiati dalla cattiveria e dal cinismo di tanti personaggi della gloriosa commedia italiana

Teen comedy di chiara derivazione televisiva, senza avere però la brillantezza delle serie tv che oggi spopolano, Il mio ragazzo è un bastardo non funziona praticamente mai: niente sorrisi, poche trovate divertenti e, soprattutto, nessuna idea su come valorizzare un’idea di partenza che per quanto stereotipata avrebbe potuto incuriosire

Noir approssimativo o commedia smussata? Smokin’ Aces di Joe Carnahan è un guazzabuglio di situazioni e personaggi talmente grossolani e fracassoni da infastidire poco dopo le presentazioni di rito. Regia, montaggio, fotografia e colonna sonora nascondono, dietro una facciata scintillante, un prodotto decisamente mediocre.

Il ritorno alle arti marziali cinesi del divo Jet Li, patrocinato alla regia dal veterano hongkonghese Ronny Yu, è un nostalgico déjà-vu che rielabora i canoni del gongfupian secondo un’ottica gradita al nuovo cinema «mainlander» di Pechino. Risultato finale piacevole, anche se non brilla per originalità.

Si adagia, purtroppo, su cliché noti ed abbondantemente sfruttati l’opera prima di Christian Bisceglia, che non fa ridere davvero perché soffocata da piattezza narrativa e formale, sentimentalismo ed ironia facile e prevedibile. Funzionale ed affiatata, invece, la coppia di protagonisti, sebbene con qualche sbavatura interpretativa di troppo, disseminata qua e là

Pellicola annacquata, stanca, poco briosa, con molti riferimenti al cinema italiano generazionale e “vitellone”, ma allo stesso tempo film(etto) paradigmatico sulla sterilità drammaturgica di molta commedia contemporanea e la complessità sbilanciata che lo stile produce nei confronti del contenuto

Inizia con un plongée, una vertiginosa e luminosa sequenza dall’alto, Harry Potter e l’Ordine della Fenice, per poi oscurarsi lentamente, progressivamente, fino a penetrare nei meandri oscuri dell’animo, tra incubi, ricordi intimi e gelosamente custoditi, ossessioni e rimorsi. Forse è tutto sin troppo chiaro, ma “la camera dei segreti” è quella della propria intimità, in cui si raccoglie tutto ciò che annega o ancora annaspa nel lago del cuore

Da un romanzo di Honoré de Balzac e presentato in Concorso all’ultimo festival di Berlino, Rivette realizza un’opera sospesa tra De Oliveira e Rohmer, vagamente ironico, preso dal piacere discorsivo di una narrazione che si adatta ai personaggi col fervore letterario della matrice, ma anche con la sensibilità volutamente poco sciolta dei due interpreti: Jeanne Balibar e Guillaume Depardieu.

Film oscuro e sotterraneo che rifiuta astutamente la facoltà di ideare e tessere una vera trama horror, saltando direttamente a raccontarne gli effetti. Ed in cui la paura diventa frutto esclusivo di ciò che non c’è, non si vede. O che, comunque, si vede male.

“Recita a quattro” che col passare dei minuti si trasforma in una tragedia in tre atti. Il regista francese realizza un dramma della metamorfosi - della malattia, della nascita, della morte e di un amour fou improvviso e sconvolgente – e della sua apparente negazione – la “ripresa” della normalità del terzo atto – che restituisce un cinema “testimone” di un’umanità in sottile disequilibrio fra voglia di ricominciare e desiderio di non dimenticare, fra passione dei corpi e bugie delle parole. Un cinema della memoria, un cinema dei sensi...

Il film d’esordio di Venturi si appoggia da una parte allo stile documentaristico - di rara immediatezza, senza ammiccamenti, senza alcun trucco – dall’altra schizza all’improvviso schegge oniriche, deliranti. Come se realtà selezionata e farsi della pellicola si compenetrassero definitivamente

Una pellicola in formato ibrido per raccontare senza veli, e con molto humor, la pazza gara al matrimonio dell’anno. Un bel gruppo di attori, Martin Freeman (il ballerino Matt) già nella serie tv The Office, sorregge questo anomala pellicola, dai risvolti comici, una lente d’ingrandimento formato televisivo pronta a dissacrare le interminabili fatiche dei provetti sposi

Per la prima volta nei cinema il miglior film dedicato al celebre personaggio tv: un’opera perfettamente coerente con la poetica del regista, dove ogni avventura è un atto di transito da un livello all’altro, in una perenne comunicazione di spazi, fluidi, corpi, tra torri e sotterranei, botole e ponti aerei, corpi in volo, subacquei e sotterrati

Questo film è un ottimo esempio di come ad Hollywood si possa costruire una sceneggiatura assemblando semplicemente le varie tendenze giovanili per creare un prodotto consumabile dal pubblico adolescenziale. La pratica dello stepping risulta essere, tra le altre cose, una delle più demenziali degli ultimi anni.

Fa impressione vedere in un film hollywoodiano la flagranza scorticata e traballante di molti (meravigliosi) horror orientali. Come se il dispositivo filmico fosse ancora un perfetto meccanismo di pars destruens con cui scardinare e omaggiare tutto l’orrore/terrore del cinema passato, al fine di crearne uno nuovo, meno scritto e più fisico

Giuseppe Ferrara porta al cinema la storia di Guido Rossa, martire di Stato e delle Br, ma lo fa scontando un eccesso di didatticismo che blocca ogni apertura alla vita e alla morte di un eroe, troppo facilmente dimenticato come ogni grande eroe che si rispetti…Un’occasione persa, come tanto altro cinema d’impegno civile

Dopo l’esordio terribilmente impegnato, in cui si raccontava la drammatica vicenda di una giovane donna rivoluzionaria (Sophie Scholl), all’epoca della Germania Nazista, il regista tedesco cambia totalmente registro, imbastendo uno pseudo “teen-college movie”, sulle orme di American Pie, e del precedente Porky College – un duro per amico

Il regista inglese, sospende il martirio shakespeariano e si confronta con Mozart e con una delle sue opere più famose. Branagh mostra, ancora una volta, il suo fiato corto, la sua presuntuosa convinzione di saper giocare con i sentimenti e la sua proverbiale capacità di saper annullare il cinema

La regista Ilaria Borrelli non perde occasione per gettare nel calderone nuovi ingredienti e continuare a mescolare, in attesa che il miracolo del “Rubro” si compia. Troppa l'indecisione alla quale sembra abbandonarsi, vagando senza meta tra personaggi e situazioni, girandovi attorno, senza mai riuscire a trovare un attimo di riposo.

Classico, poderoso e magnificamente sospeso “tra cielo e terra”, il film di Tony Bill esplode letteralmente nelle scene d’azione, dove i vuoti/pieni pittorici in CGI riescono a dare dimensione spettacolare ed estatica al breve scarto che esiste tra la vita e la morte, il desiderio e il buio, la luce e l’abisso

La regista lavora sulle emozioni e sulla loro rappresentazione. Costruisce un incastro di stati d’animo e movimenti interiori, cercando di trasformare in immagini il romanticismo che dovrebbe muovere i suoi personaggi. Purtroppo il risultato è freddo e distaccato e i sentimenti mostrati non riescono ad arrivare fino allo spettatore.

Questi robot giganteschi si appendono ai ponti, si nascondono tra gli alberi, saltano sui tetti dei palazzi, scherzano con gli uomini e con i cani. Sono loro a creare il Cinema, la visione. Superata la pesantezza materica del suo cinema, Bay dimostra che, nonostante il virtuale e il digitale, il controcampo è ancora possibile. Ed è più umano che mai. 

Serra riserva un’originale trattamento di esasperazione finzionale alle sequenze sul campo di gioco, con il film che perde ogni intento di verosimiglianza per farsi semplice gioco digitale: gioco di linee, colori e velocità. Un film costruito precisamente come un videogioco. Un esperimento riuscito

Si ripensa a John Woo e al suo videogame Stranglehold diverse volte, durante la visione di questa prima avventura al computer delle ninja turtles, basata su ‘liquidi’ inseguimenti in scenari digitali: per le scene di combattimenti, riprese con stile sincopato e virtuosistico; ma soprattutto per una splendida sequenza di scontro tra due fratelli

Un kolossal spagnolo senza troppe carte da giocare. Un soldato sprezzante dei compromessi alle prese con la Spagna sfarzosa, potentissima e corrotta del 600. Poca azione; il melodramma si affaccia timidamente ma la lentezza e l'approssimazione affogano tutto

Il cinema di Curtis Hanson spiazza e inganna, sembra seguire percorsi già noti e invece riesce a vivere di vita propria. Le regole del gioco è un’appassionante sfida lunga due ore, una contaminazione tra i canoni della commedia romantica e le regole del poker, un cinema che sembra voler tagliare fuori qualsiasi elemento esterno per concentrarsi unicamente sul gioco intorno al quale si basa.

Vincitore della Semaine de la Critique, il primo lungometraggio di Lucia Puenzo (figlia di Luis), pur nei suoi peccati evidenti soprattutto in una mancanza di controllo con escursioni narrative che appesantiscono la pellicola, ha avuto il merito di aver trattato un tema cosi’ scottante con delicatezza, rifuggendo da qualunque pietismo o facile commiserazione

Marina Spada - che ha iniziato a lavorare nel cinema come assistente alla regia di Massimo Troisi - sembra rispettare e tenere molto al desiderio di solitudine e riservatezza del suo personaggio protagonista, si muove sempre in punta di piedi in queste scene intime, attenta a non invadere lo spazio di Claudia, donna sola all’inizio e alla fine del film

Colpisce duro il nuovo film di Eli Roth. Il regista, attraverso una rappresentazione estrema della violenza, riesce a cogliere molte incongruenze della nostra società, oltre a firmare una vero e proprio atto d’accusa contro il capitalismo americano.

E’ un film da ascoltare Tre donne morali. Quasi tutto fatto di parole, confessioni, citazioni ‘alte’ (Pasolini, Borges, Dante), dichiarazioni e provocazioni etiche rese con distacco, senza mai cadere nella facile retorica del manifesto politico. Politico è semmai il modo con cui Garofalo racconta le donne del suo film, come ne celebra lo spessore umano

Ambiziosa parabola imbastita sulle idee opposte di Chiusura e Integrazione: il film cresce dentro un piccolo mondo antico contro cui finirà con lo scontrarsi un nucleo familiare estraneo, troppo “anarchico” per adattarsi e dunque, in ultima analisi, respinto

Dal best-sellers di Patrick McGrath, un film senza sangue, sesso, pazzia, amore.Mackenzie non sa far altro che incollarsi alla splendida dizione di Ian McKellen, agli occhi turbati di Natasha Richardson e alla compostezza obitoriale di una messa in scena completamente dissanguata

Il viaggio musicale dei cinque componenti del LabGraal attraversa i miti e le tradizioni celtiche, si snoda lungo geografie lontane tentando di mostrare le radici comuni che legano i Nativi del pianeta, diventa, infine, uno strumento di denuncia per la difesa dei diritti, delle tradizioni e dei luoghi sacri dei Popoli naturali

La vicenda di Leonardo Vitale, pentito di Mafia, viene trasformata in una storia che si muove tra l’insistita rappresentazione della sua follia e i soliti stereotipi cinematografici sugli ambienti mafiosi. Un film dove la denuncia e i fatti devono cedere il posto alla loro inevitabile rielaborazione drammaturgica

Il sole nero di Krzysztof Zanussi soffre degli esiti negativi di un cinema realizzato da un autore che ha acquisito una versatilità televisiva. Il film non concede mai nulla ad un possibile deragliamento della storia o dei suoi personaggi, ma in cui vince una concezione manichea del bene e del male con risultati negativamente destabilizzanti.

Marcata risulta la scansione scenica secondo la quale procede l'intera pellicola, per sezioni, capitoli, collage di situazioni, pronte a suggerire questa o quella reazione. Resta poco, oltre alla delusione per l'ennesima occasione sprecata di un cinema d'intrattenimento che resta decisamente al buio

Un thriller al femminile, prigioniero di uno sguardo che opprime la narrazione e impedisce ai sentimenti di rivelarsi con la libertà necessaria. Resta soltanto un ibrido, sin troppo chiarificatore della situazione in cui versa il nostro cinema. Ripubblichiamo la recensione al film vincitore del David di Donatello.

Il regista Finn Taylor, al terzo film, esamina con intenti ironici un fenomeno tutto americano, quello dei Darwin Awards, ovverosia quegli incidenti mortali autoprovocati da imperizia e voglia di lasciare il segno. La commedia è stentorea, il lato thriller inesistente, per un ibrido di scarso impatto.

Sporco, inquietante, a tratti – come “Panic Room” – persino “teorico”, “Zodiac” resta un thriller anomalo, un’indagine poliziesca dove nessun poliziotto spara mai un colpo di pistola, un piccolo manifesto di un cinema imperfetto e delirante, che non si compiace del suo stile ma sperimenta e graffia, lasciando segni indelebili sul nostro sguardo