The King of Kong è l'eccitante rivisitazione e revival del mondo "perduto" dei videogames degli anni ottanta nella forma di documentario/fiction, magistralmente diretto da Seth Gordon, abile nel delineare i numerosi protagonisti e con gran senso dell'umorismo nella descrizione dei fatti che regala all'opera un simpatico appeal.

Le tante facce di un processo complicato come quello della liberazione di uno stato africano dal giogo dello straniero confluiscono nell’ultima opera del regista nato nel Mississippi e trapiantato a Los Angeles. Il film di Charles Burnett, presentato nella sezione “Extra” della Festa Internazionale di Roma, è un’opera pura e bilanciata, dinamicamente equilibrata, che reinterpreta lo spirito di un intero popolo in lotta per ottenere il riconoscimento dei propri diritti

L’abbuffata di Mimmo Calopresti è un film che apre nuove strade per il cinema italiano che ci auguriamo fertili. Alla conferenza stampa erano presenti il regista accompagnato da Valeria Bruni Tedeschi e il resto del cast, composto da Paolo Briguglia e altri giovani attori. Il regista Mimmo Calopresti ha raccontato la sua idea di cinema e l’importanza del rischio e dell’avventura per i giovani cineasti.

Calopresti gioca la carta della libertà assoluta inseguendo un cinema rischioso ma ammirevole. Cercando nuovi percorsi estetici e narrativi, sbanda, inverte la rotta, insiste, e alla fine vince la sua scommessa realizzando una pellicola semplice, inedita, ma clamorosamente lucida ed estrema per i parametri attuali del nostro cinema

Le Pere di Adamo è l'ennesima deviazione nel documentario del polivalente Guido Chiesa. Inno poetico all'imprevidibilità delle cose: nella metereologia, nell'esperienza scientifica, nella vita. Il film-maker torinese adotta una stile libero e vario, aperto alle associazioni. Purtroppo, non ha il coraggio di andare fino in fondo.

Azzardo sperimentale, Pop Skull di Adam Wingard va molto oltre la cornice del genere e si tuffa nella pop-art psichedelica e lisergica. Il 24enne regista dall’Alabama spiazza tutti con un incubo incessante che, a partire dall’intro epilettico, pare una costola sottocosto di David Lynch e ugualmente lascia senza fiato. Nel bene e nel male.

Storia di violenza e di speranza, War Dance racconta attraverso le voci di tre bambini sulla soglia dell’adolescenza, la realtà del Nord Uganda, piagata dalla guerra che i ribelli della Lord’s Resistance Army, uccidendo, violentando, rapendo i bambini per poi costringerli a diventare uno strumento di morte, conducono contro il governo

Saverio Costanzo proietta un’immagine senza tempo, dove il passato si specchia e continua a vivere nel presente e, attraverso gli occhi dei sopravvissuti, degli studenti, delle ombre che continuano a testimoniare il loro annientamento, guarda silenziosamente oltre lo schermo, direttamente allo spettatore, strappandolo dal suo nascondiglio, per non lasciarlo dimenticare

Non ci vuole molto per "sentire" il talento di Even Benestad, regista giovane e già molto apprezzato per il suo precedente All About My Father. Con Natural Born Star, uno dei film più belli visti nel 2007, Benestad segue una stella "minore" del misconosciuto cinema italiano, non per riscoprire l'attore o i film, ma solo la storia esemplare di un uomo: Fred Robsahm.

Juno è senza dubbio uno dei migliori di film di Roma 2007, apologia di un mondo allo sbando e in preda alle convulsioni eppure così dannatamente vivo da uscir fuori dallo schermo e da piazzarsi in sala, proprio accanto a te. Una commedia nera intelligentemente messa in un Concorso romano altresì assai mediocre e tedioso…

Il regista trae ispirazione dal metodo di Leigh, Cassavetes e Godard, privilegiando il lavoro di creazione e approfondimento dei personaggi e garantendo libertà d’improvvisazione agli attori. Ma, nonostante ciò, riesce a imbrigliare i suoi protagonisti in una programmatica vicenda di legami familiari spezzati

Questo velleitario documentario sul gruppo islandese dei Sigur Ros potrebbe in fondo risultare emblematico dello spirito tutto veltroniano dell'evento: perfetto esempio di marketing giovanilista applicato ad un prodotto sostanzialmente mediocre eppure dotato della giusta dose di appeal intellettuale. Tracce di esotismo minimal, aria di fighetteria alternativa.

Susanne Bier e la star Halle Berry raccontano la loro ultima fatica cinematografica, che vede anche la presenza di Benicio del Toro. La regista fa poi un punto sulla situazione delle donne ad Hollywood dove è sempre più difficile esprimersi in piena autonomia. Mentre l’attrice parla del suo lavoro e della sua collaborazione con la Bier.

La giovane attrice Ellen Page e la sceneggiatrice Diablo Cody parlano dell’ultimo film di Jason Reitman, presentato in concorso. Il ritratto di un’adolescenza diversa (quella di Juno) nasce dalle esperienze personali della Cody e trova nell’interpretazione della Page e nel lavoro di Reitman la grande possibilità di trasformarsi in un corpo e in un film.

L'ennesimo documentario cospirazionista sul big crash del 11/9 porta inevitabilmente con sé il problema dell'inflazione dell'immagine e ci interroga sulla possibilità di uno sguardo che sia ancora eticamente esplosivo. Malgrado gli sforzi degli autori assistiamo alla progressiva depotenziazione della materia visiva, 6 anni dopo ormai irrimediabilmente innocua, catturata dal discorso ovattato e ovattante dei media.

Il Brasile è un paese che sta crescendo economicamente, eppure è devastato da criminalità, malapolitica, corruzione e violenza. Nel documentario Manda Bala (Send a Bullet) Jason Kohn testimonia una situazione drammatica, senza enfasi spettacolare, dalla parte dei poveri che subiscono ogni giorno le angherie del potere. Preciso ed accorato, già vincitore al Sundance, convince per il suo approccio anti-retorico.

Documentario che mostra le mille prospettive di una vicenda: Norma Khouri ha scritto un libro ispirato ad una storia che forse è vera e forse è falsa. O forse è tutte e due le cose insieme. Ad Anna Broinowski non resta che rinunciare alla coerenza dei fatti, e sposare piuttosto la causa dell'ambiguità. Quando tutti sembrano mentire, il documentario non può prendere posizione. Nell'impossibile impresa di segnare il confine tra realtà e finzione, Forbidden Lies rende onore alla sua natura di film-documento.

Essenziali e indissolubili il bianco e il nero si rincorrono nello spazio animato di Peur(s) du noir, fatica immaginaria ad episodi, presentata in prima mondiale alla Festa Internazionale di Roma, nata dalla collaborazione tra disegnatori dal differente background. Stili diversi che si isolano dagli altri, coerenti nella loro unicità, capaci di aderire alla materia di un  racconto senza soluzione di continuità, che risulta però troppo spesso monotono

Prodotto e scritto dallo stesso regista Bragason, Foreldrar (Parents) descrive con la giusta crudeltà le feroci relazioni tra adulti nel ruolo di genitori. Con un efficace bianco e nero, contrastato e nitido, le immagini risultano spesso debordanti, dando la sensazione di rappresentare una società civile in lotta con le regole della buona convivenza, molto prima di esplodere.

“E’ un film fantastico e delirante sulla stregoneria. La violenza non è una prerogativa di questi ultimi tempi. Negli anni 70 la gente spesso aveva paura di uscire di casa. L’horror dà voce alle paure dell’uomo. Non è un film politico ma rappresenta con semplicità e furore la bellezza e la bruttezza degli esseri umani.” Dario Argento all’Auditorium.

L’universo pop dei Beatles è al centro di questa ennesima sperimentazione partorita dalla fervida mente di Julie Taymor, l’autrice di Titus e Frida, che conferma la sua abilità sia nel manipolare le istanze della finzione che adattare con spirito quasi documentaristico le vite reali dei suoi personaggi. Un viaggio psichedelico nella musica degli “scarafaggi”, certamente non esente da difetti, ma al quale è difficile non cedere al tentativo di canticchiare Lucy in the Sky With Diamonds, di tamburellegiare con le dita al ritmo del basso elettrico di Come Together o gorgheggiare seguendo il verso del tricheco in I Am the Walrus…”goo goo g’joob, goo goo g’joob…”

Late at night I hear the trees they’re singing with the dead – Overhead, canta Eddie Vedder: il richiamo della moltitudine di voci della natura che sembrano attanagliare il protagonista è lo stesso che rendeva folle Jack Nicholson nel finale dell’abissale La Promessa, e che invece trasforma Chris McCandless in una versione quasi grunge del Grizzly Man herzoghiano

L’esordio al cinema di Ascanio Celestini, amatissimo autore teatrale, è una volta ancora stratificata ricerca etnografica che si trasforma in “macchina parlante”. Percorre il cinema di narrazione come il suo teatro affabulante e, senza alcuna esigenza artistica, si aggrappa ai precari dell’Atesia, la più grande società di operatori telefonici della capitale

Se nella prima parte, ovvero quella ambientata nel villaggio, la pellicola sembra impantanarsi in una narrazione involuta e incerta, nel farraginoso equilibrio tra commedia e dramma, nella seconda il film di Gu Chan Wei innesca una parabola esistenziale e geografica lenta, sorprendente, piena di micro-derive

Susanne Bier sembra ormai autrice quasi completamente sdoganata dal cinema “Dogma”. C’è ancora probabilmente da levigare, soprattutto quella insistenza, spesso estetizzante di ricercare l’inquadratura serrata sui dettagli del corpo, ma il presente è scorporato almeno dalla tendenza di stratificare quasi esclusivamente con improvvisi e fastidiosi colpi di scena e rivelazioni e da una forza d’impatto travolgente anche se ancora di fugace compattezza

Libero, anarchico, fanciullescamente puro. Argento fa di tutto pur di spingere il nostro sguardo oltre lo schermo e gioca a comunicarcelo con tutta la sincerità dell’umile artigiano che ama alla follia il suo pubblico, e proprio per questo fa di tutto per non ingannarlo. L’ultimo capitolo della “trilogia delle madri” è allora un messaggio d’amore per ogni spettatore, estremamente tenero per come antepone i sentimenti al cinema, arrivando a centuplicare la sua natura affettuosa

Questo velleitario documentario sugli islandesi Sigur Ros potrebbe in fondo risultare emblematico dello spirito tutto veltroniano dell'evento romano: perfetto esempio di marketing giovanilista applicato ad un prodotto sostanzialmente mediocre eppure dotato della giusta dose di appeal intellettuale. Tracce di esotismo minimal, aria di fighetteria alternativa.

Intervenuto alla conferenza stampa di presentazione all'Auditorium del suo capolavoro "Into the Wild", Sean Penn racconta come si sia giunti alla collaborazione col frontman dei Pearl Jam per la realizzazione della stupenda colonna sonora del film. La passione per il surf nell'oceano ha aiutato entrambi ad entrare in sintonia con la vicenda del protagonista.

Cinema modaiolo e griffato quello di Anurag Kashyap, appesantito da una lunghezza atroce e da una colonna sonora troppo invasiva. Ma soprattutto un cinema che nasconde, dietro ad una caotica sceneggiatura e al corpo plastificato e sempre presente del protagonista, un vuoto espressivo mascherato da stile.

Una carismatica Julie Taymor parla del suo ultimo film incentrato sulle canzoni dei Beatles. Tra la passione per il teatro, le maschere, la musica e le performance agit-prop la regista racconta come ha lavorato per costruire il suo ultimo film, un viaggio psichedelico tra le parole e le note dei fabfour.

Il documentario di Michael Henry Wilson capisce che c'è un solo modo di rappresentare l'uomo Clint Eastwood: quello di eclissare qualsiasi forzatura di senso e lasciare che sia lui stesso a raccontarsi. Clint Eastwood è infatti l'unica icona ancora possibile del pale rider: nella vita come nella pratica cinematografia, che sia su un cavallo o seduto nella sua veranda.

Prodotto da Terrence Malick e da Robert Redford, The Unforeseen racconta la contrapposizione tra l’impegno ambientalista per preservare il territorio dall’inquinamento e dal disastro ecologico e la rivendicazione della libertà di perseguire cinicamente quel sogno americanociecamente materialista e così profondamente radicato nella cultura statunitense

Che ci fa uno come Malick qui, uno dal pensiero che fa girare la testa per verificare quanta “terra promessa” manca ancora da conquistare e quanta luce ancora manca per non pensare al cinema come “cosa del passato”. Malick resta il bruto del cinema che la festa vuole più che addomesticare, farselo amico, partecipe di una sola famiglia. L’impero è ancora un banchetto ma si appresta a diventare l’ultima cena…

Quasi un “viaggio nel cinema italiano” quello intrapreso da Terrence Malick per l’incontro evento alla Festa del Cinema di Roma. Il colpaccio riuscito alla coppia Monda-Sesti, portare in Italia un autore di culto noto anche per la refrattarietà a mostrarsi in pubblico, è però riuscito a metà...

Parabole calibrate male quelle disegnate da Hector Babenco, fuochi fatui di un cinema che fu ma che certamente non è, lapilli di vita impazzita e fredda come una pietanza sopravvissuta ad un pasto. Non ci si immerge né nell’amore né nella follia e si resta lì, a metà del guado, mentre tutto il resto affonda inesorabile

Tratto dall’omonima novella di John Burnham Schwartz, il dramma-thriller realizzato dallo scrittore e regista inglese Terry George (di Hotel Rwanda) è una storia di rabbia, vendetta, impotenza. Ricorda molto In the Bedroom di Todd Field. Alla costernazione, Terry George aggiunge anche il senso di minaccia, di suspense, fin da subito, attraverso una spirale cupa di angoscia, odio e disarmante (in)colpevolezza

Alla Festa del Cinema di Roma abbiamo incontrato il grande regista italiano per la conferenza stampa de La terza madre, ultimo e bellissimo horror che conclude la ‘trilogia delle madri’, iniziata da Suspiria e proseguita con Inferno. Un film importante non solo per il cineasta romano, ma per il cinema italiano tutto

Senza considerare alcuni momenti visionari che ne indeboliscono la struttura, Love Life, Fuori Concorso alla seconda Festa Internazionale di Roma, appare come un’opera compatta e sintetica, capace di interpretare efficacemente quel senso di incompiutezza  nel quale i protagonisti annegano quasi per l’intera durata del film. Da una donna ad un’altra donna, la storia di Ya’ra attraversa e supera i confini d’Israele, per dare voce alla tragicità delle scelte di una vita e delle loro conseguenze

Durante la conferenza stampa di presentazione del suo ultimo film da regista "Lion for Lambs" alla seconda edizione di CINEMA. Festa Internazionale di Roma, Robert Redford al fianco di Tom Cruise riflette sull'anima politica che da sempre caratterizza la sua filmografia di attore ed autore, da Gente Comune a quest'ultima opera, passando da lavori come Tutti gli uomini del presidente o I 3 giorni del Condor.

Silvio Soldini in conferenza stampa parla del suo ritorno dietro la macchina da presa insieme al suo attore protagonista  Antonio Albanese: "Giorni e Nuvole", presentato in anteprima alla seconda edizione di CINEMA. Festa Internazionale di Roma, all'Auditorium.

Ormai aspettiamo con somma rassegnazione e anche un certo imbarazzo, le proiezioni nostrane in concorso ai festival, che sembrano giungere come un risultato sportivo scontato, senza storia. Il film di Emidio Greco, pur autore impegnato in passato nel segnare un tragitto non propriamente in linea con il panorama nazionale, oltre ad evidenziare incertezze recitative, chiusure metaforiche, è l’ennesimo “disperso” nel magma della contaminazione

Un documentario, prodotto dai Dardenne, che segue 3 malati terminali dichiarando la visibilità esplicita, insopportabile della sofferenza e l’impraticabilità di una risposta definitiva di fronte al valore e alla possibilità della sua testimonianza e narrazione: si tenta di superare con uno sforzo coraggioso l’interdetto occidentale sulla morte, ma si corre anche il rischio di cadere nell’equivoco della «conquista dell’io grazie al dolore» e di riaffermare quell’ acceptable style of dying che un mondo medicalizzato impone al morente, costringendolo ad accettare ciò che è inaccettabile

Quello di Redford è un film sulla parola e sul disperato tentativo da parte di ogni personaggio di credersi e far credere agli altri la legittimità della propria Idea. Come se nell’America di oggi il vero desiderio inconscio di ognuno non sia tanto quello di vincere o perdere la guerra, annientare il terrorismo o convivere con esso, quanto quello di ribadire una volta per sempre di essere dalla parte giusta, convincersi e convincere gli altri con un dialettica sottilmente violenta

Il dottor Plonk, scienziato folle, convinto della fine del mondo, resterà infine inascoltato e soprattutto prigioniero (della modernità) e condannato ad assistere, nel sorriso amaro della gag, all’indifferenza di un sistema sociale che sembra governato da leggi di arroganza, più che di fisica, e preferisce chiamare ordine la sua autodistruzione.

Edificante commedia agrodolce sempre pronta a piazzare dietro l’angolo la sequenza strappalacrime straripante di buoni sentimenti, l’esordio dietro la mdp di uno dei volti di ‘cattivo’ più noti e riconoscibili del cinema americano resta lontano da piccole e riuscite indie tales di disoccupazione come Mosche da Bar di S.Buscemi o Palookaville di A.Taylor

Il fotografo è l’esecutore materiale dell’eutanasia della critica impegnata e dei pensatori di cinema "letterato", infastiditi dagli “scatti” della vita, dalla vita tutta, forse. Il fotografo è l’imperatore di questa Roma in festa: prova istintivamente a scardinare le mura del teatro dei compiacimenti, della condiscendenza sotterranea

Deludente sia come kolossal d’autore, che come mero blockbuster da multisala, quest’epica dedicata alla gioventù del feroce e temutissimo Genghis Khan resta un film indeciso, schizofrenico, incompiuto e davvero poco efficace: lo sguardo di Sergei Bodrov svanisce, mostrando l’evanescenza della sua effettiva ed attuale, dolorosa inconsistenza.

“Hafez diventa poeta perchè da giovane si era innamorato”: Jalili non usa giri di parole, e già fa ti fa venire un brivido, un sussulto del cuore – un racconto leggendario e squisitamente popolare, una fiaba simbolica e morale che procede per continue accensioni dello sguardo, in un’atmosfera di sogno diffuso, come una visione sempre densa ed evocativa

Di chiara impostazione teatrale, il film del regista del precedente Ocaṅa, trae ispirazione da un testo di Lluïsa Cunillé. Nulla avanza e nulla manca nel cinema di Ventura Pons, ma a lungo andare stanca e irretisce: i corpi sono sopraffatti non tanto dalla pesantezza dell’esistenza, ma più che altro dall’aridità di aperture che sembrano rimanere in circolo perennemente e girare a vuoto, non nel vuoto

Ancora una New York bestiale è protagonista al cinema: la Grande Mela è qui un inferno di rumori, una giungla di sirene e allarmi che violenta letteralmente le tranquille vite dei borghesi. Una parabola grigia, non nera, sulla capacità di un uomo di uscire da se stesso e di trasformarsi in un vendicatore gentile, un Giustiziere della Notte che colpisce solo macchine e vetrine

August Rush è la storia di un ragazzino che ritrova i genitori dopo dieci anni, la storia del suo viaggio alla ricerca di una stella che gli indichi la via. È la storia di un film presentato in anteprima alla Festa Internazionale di Roma, di un pubblico incantato e di un Robin Williams nei panni di un’inedito “mago di strada”. Ma anche, soprattutto, la storia di una regista energica, che crede fermamente nella forza creatrice di un cinema libero di reinventarsi nella sua semplicità

Silvio Soldini si immerge nel presente del Paese in cui viviamo, dove la precarietà, sentimentale quanto economica, sta diventando qualcosa da accettare passivamente, come condizione immutabile dell’esistenza. E attraverso la crisi di una coppia borghese mette in scena la rovina di una intera società, la nostra.

Silvio Soldini, Antonio Albanese e Margherita Buy parlano del loro ultimo lavoro. Un film che porta alla luce i drammi di una coppia borghese che perde la sicurezza economica, una pellicola che diventa quasi un documento della situazione sociale del nostro Paese. Dove la precarietà si sta trasformando in una condizione esistenziale.

Sceneggiato e girato dal regista di La parola ai giurati, Il verdetto, Quel pomeriggio di un giorno da cani, Serpico, Quinto potere, è un thriller terribilmente premeditato, in ordine logico che non tradisce e contrasta assolutamente i salti cronologici e i cambiamenti sottili di prospettiva nei quali i suoi personaggi sembrano decomporsi e ricomporsi poco a poco

Inesorabile il ritmo della pellicola, che condensa in 88 minuti immagini, segni, colori, fotografie, impulsi visivi, volti ad illustrare l’impresa di una donna in bilico tra ossessione privata e amore per l’arte. Manca di materia però, questo primo lungometraggio di finzione di Laurent di Bartillat, in concorso alla seconda Festa Internazionale di Roma. Definirlo thriller sembra un po’ azzardato. Riflessione sullo sguardo? Forse

L’ennesima occasione persa di questa seconda edizione della Festa del Cinema di Roma: Rendition, del premio Oscar sudafricano Gavin Hood (Tsotsi), è un film che vorrebbe indagare, indignare, incolpare e invece finisce solo con l’essere lo specchio dove sentirsi tutti più buoni o più cattivi, dipende solo da quale lato ci si guarda…

Dalla sezione “Première” un atroce calvario che non è solo noioso ma è l’esempio di un cinema falso e compiaciuto che spreca il talento di Keira Knightley e Michael Pitt per ammirarsi continuamente nelle sue immagini così come il romanzo omonimo di Baricco si ammira nella sua scrittura. Il film rappresenta il lato peggiore dell’incrocio letteratura-cinema: brutto romanzo, bruttissimo film

A 10 anni da L’uomo della pioggia, l’autore statunitense ritorna con uno straordinario film in cui il suo cinema rinasce dalle proprie ceneri portandosi dietro tutte le proprie ossessioni: la grandiosità e la decadenza kolossal, il sogno, l’illusione, il tempo. Dal racconto dello studioso di religioni Mircea Eliade, Coppola si porta dietro i modelli noir di Preminger, Dieterle e soprattutto Lang con una pellicola ancora troppo moderna, ancora troppo avanti, quindi fuori-tempo.

Due tracce parallele, spesso sovrapposte, percorrono la pellicola di Alessandro Capone, progetto cinematografico nato dalla stretta collaborazione tra Italia, Lussemburgo e Belgio, che si porta dietro tutti i difetti del cinema finto-autoriale del bel paese, impegnato a costruirsi una solida gabbia di stilemi del tutto fini a sé stessi. In concorso alla Festa Internazionale di Roma L’Amour Cachè si compiace delle sue scelte formali, crogiolandosi in interminabili rallenty e negandosi le necessarie evoluzioni

 

Dal best-sellers di Anne Michaels, il cineasta canadese realizza un film di piatto formalismo, dove la ridondanza è il segno di uno stile esibito, attento solo a creare un cinema tattile, di sensi, che finisce per mortificare la Storia e la tragedia individuale. Appare ancora decisamente sottotono il livello della competizione ufficiale dell’evento

Il regista, insieme al suo protagonista Tim Roth, alla straordinaria Alexandra Maria Lara, al cinematographer Mihai Malaimare Jr e al suo storico montatore, Walter Murch, presenta ai giornalisti dell’Auditorium il suo attesissimo (e già incompreso) ritorno sulle scene: “questo film è il mio modo di ritrovare un posto all’interno del mondo del cinema.”

Per la seconda volta Cate Blanchett veste i panni della Regina Vergine, Elisabetta. Presentato nella sezione Premiere della seconda Festa del Cinema di Roma il film di Shekhar Kapur non è nulla di più di una rivisitazione in costume della follia dell’amore  e della guerra

Alla conferenza stampa di Elizabeth: The Golden Age accanto al regista Shekar Kapur una meravigliosa Cate Blanchett parla del suo ultimo film. A dieci anni dalla sua prima interpretazione della “regina vergine” l’attrice parla del suo complesso personaggio, diviso tra le esigenze di una nazione e quelle del cuore.

Specie di ‘noir padano’ che ritorna alle atmosfere di Notte italiana, il film d’esordio che il regista veneto ha diretto nel 1987, che però si approccia al genere in maniera macchinosa, senza passione, dove ogni ambiguità è solo il risultato di una scrittura troppo articolata dove ci hanno lavorato ben 4 sceneggiatori

Questo gangster movie di Alain Corneau è cinema postmoderno che non si vergogna di credere ancora alla sua classicità anziana e che solo a tratti nasconde un’ombra di scrittura macchinosa e involuta. La lunga durata della pellicola (155’) è figlia soprattutto di un amore sconfinato per una narrazione piana, un po’ convenzionale e a tratti scolastica, ma meravigliosamente convinta nel cinema, proprio perché dentro il cinema

Si è aperta oggi la seconda edizione della Festa del cinema di Roma con l’anteprima del film La Deuxieme soufflé, remake dell’omonimo capolavoro di Jean-Pierre Melville del 1966. Diretto da Alain Corneau e interpretato da Daniel Auteil e Monica Bellucci, la pellicola francese partecipa al Concorso ufficiale. Abbiamo incontrato il regista francese e l’attrice italiana

Dal 18 al 27 ottobre, nei giorni della Festa del Cinema, la programmazione del Detour sarà nel segno dell'esperimento acustico: musica, suoni, rumori, silenzi. Sonorizzazioni live di pietre miliari della storia del cinema, rock musicals cinefili, videoarte sonica, peformance di "Cinema Cieco" e dagherrosuoni, rockumentaries e cinema rockettaro, jazzettaro, sinfonico e pop.  E tra i vari eventi da non perdere venerdì 19  l'incontro con AMOS POE!

Presentato il programma della nuova edizione della Festa del Cinema di Roma. Quest’anno si punterà a trovare un equilibrio tra glamour e qualità dei film, attività economiche e manifestazioni culturali, con un calendario ricco di eventi ed incontri. Una settimana interamente dedicata al cinema, con appuntamenti sparsi per tutta la capitale.

Rassegna complementare alla Festa di Roma, il programma di Extra è il risultato dell'ambizione di voler creare uno spazio in cui unire prospettive eterogenee: visioni alternative e documentari, incontri con grandi cineasti e rassegne di classici, videoarte e cinemaweb, omaggi nazional-popolari a studi specifici sul lavoro dell'attore. Estendendo il campo non solo agli spazi della Festa, ma anche ai luoghi di cinema abituali della città, come i cineclub storici.