L’esordiente regista filippino Gutìèrrez Mangansakan II è un giornalista e fotografo che vuole chiaramente trasportare al cinema tutte le sue ossessioni formali sulla ricerca fotografica. Il suo è un elogio della lentezza e della contemplazione, strutturato per quadri fissi che catturano tutto il meraviglioso “peso” della natura che circonda la protagonista

Simone Emiliani, Aldo Spiniello, Silvia Fanasca, Pietro Masciullo raccontano la loro Venezia 67: i premi, le polemiche, la quotidianità del Festival, le sezioni collaterali, le battaglie degli "accrediti verdi". ASCOLTA IL PODCAST

La memoria privata, che si mescola alla memoria Storica, che si mescola alla memoria di un microcosmo sociale molto particolare. Questo è l’intento principale della regista Giovanna Taviani (figlia di Paolo Taviani), che nel suo documentario dedicato alle isole Eolie configura una mappa dettagliata del contesto cinematografico in primis, ma anche storico/culturale del meraviglioso arcipelago siculo

Trasposizione dell’opera letteraria di Shakespeare al femminile, in cui è Prospera la protagonista.  Avremmo sperato però un labirinto dove perdersi. Come in una casa di specchi, ogni volta che intravedi una via d'uscita, essa si rivela essere dalla parte opposta a quella che avevi immaginato. Come in un miraggio o in un sogno, ogni volta che provi ad afferrare qualcosa, l'oggetto su cui credevi di aver messo le mani si dilegua. Finché capisci che ciò che conta non è l'uscita e che non c'è nulla da afferrare

Accettazione e integrazione, ecco quali sono i temi che con maggiore vigore si fanno sentire all’interno di questa cronistoria di un anno di vita passato a stretto contatto con adolescenti che danno prova di essere molto più avanti degli adulti sulla strada che porta ad una società multietnica

Il regista Richard J. Lewis presenta il suo Barney's Version, con Paul Giamatti, grande interprete del politicamente scorretto Barney Panofsky, da un libro che è stato un caso letterario in Italia ma è soprattutto un grande romanzo. Gli attori Rosamund Pike, Scott Speedman e Bruce Greenwood, il produttore e amico di Mordecai Richler Robert Lantos, che chiarisce tanti aspetti di una preproduzione durata dieci anni e il rapporto con il romanzo, il coproduttore italiano Domenico Procacci e il distributore per Medusa Giampaolo Letta.

Tom Tykwer presenta alla stampa il film in concorso Drei, ritorno al tedesco per lingua e ambientazione, con gli interpreti del triangolo amoroso Sophie Rois, Devid Striesow e Sebastian Schipper e il produttore Stefan Arndt. La sua forza, secondo il regista, è "la tensione tra momenti quotidiani, perfino banali, e aspetti drastici, estremi. Da questo equilibrio nascono anche i toni comici di questa storia".
 

Uno sguardo in 3D di una mansarda di un artista nel cuore di Manhattan che sta per essere trasformata in nuove mansarde per artisti. Performance live quasi, installazione temporanea che frantuma il determinismo biologico, la teoria pavloviana della percezione univoca. Furore sinestetico che Jacobs esprime attraverso un mondo assolutamente transitorio, un “expandend cinema”, provare e ancora riprovare… Ma che razza di Mostra è questa?         

Le cronache di due manicomi del Cairo, dalle pareti mangiate dal degrado imperante, sondano temi scottanti per l’Egitto: la psichiatria e la pazzia. I pazienti che sono costretti a viverci sembrano non avere alternativa, non conoscono altra possibilità se non essere rinchiusi in un universo a sè stante, così lontano dalla quotidianità di un paese i cui problemi di diversità e integrazione vengono radunati in centri di igiene mentale

Rappresentazione del malessere sociale e politico della Corea contemporanea, Anti Gas Skin vuole essere un film che sfrutta l’occasione per mescolare momenti di satira a elementi del fantastico e del surreale per raccontare quattro storie parallele che testimoniano, attraverso intrecci della trama rocamboleschi, il disagio di un intero Paese

Il documentarista Maher Abi Samra racconta in prima persona la propria vicenda privata, che si amplia a quella piccola cerchia di amici e compagni politici con i quali è cresciuto ed ha sostenuto la resistenza comunista libanese all'invasione israeliana

Giovanni Bogani e il suo Leone d'oro personale a Venezia 67 davanti alla videocamera di Sentieri Selvaggi.

Bruno Roberti svela a Sentieri Selvaggi quale film incoronerebbe come Leone d'oro personale di questa edizione del Festival.

E' il turno di Enrico Ghezzi davanti alla videocamera di Sentieri Selvaggi, per raccontare il "suo" Leone d'oro di questa Venezia 2010. 

Il mare diventa uno spazio dimenticato colonizzato dai bisogni dell’uomo occidentale, che navigano stipati in quello che è il simbolo della civiltà odierna: il container. È questo il punto di partenza dello straordinario documentario di Burch e Sekula, seguire le enormi navi merci che solcano gli oceani e diventano i pilastri della nuova catena di distribuzione globale

Il giovane regista canadese Richard J. Lewis azzera tutta la complessità linguistica di Richler e si rifugia nel genere, tenta la carta della commedia malinconica e vince perché non cerca mai di “sovrapporsi” al suo personaggio inseguendo improbabili vezzi autoriali. Si mette totalmente al servizio di una storia così intimamente universale, utilizzando intelligentemente un cinema che la assecondi con la più ampia fruibilità nell’approccio

Sono due i film del Festival della redazione di Sentieri selvaggi: Road to Nowhere e Promises written on the water. Il film Di Hellman vince come miglior film, mentre quello di Vincent Gallo è il nostro Leone d'oro.

Yuki è una ragazza scomparsa dieci anni fa in un luna-park. Riappare misteriosamente per raccontare tutto, ma perde i sensi e risucchia con se tutti i suoi amici in un incubo senza labirintico e senza uscita. Teoria della terra vuota, attrazione della pazzia, circuiti esheriani che si annodano (come in Marebito del 2001): ancora una volta digitale "low tech” (anche se in 3D). Dimensione artigianale e d’atmosfera, perseguendo inevitabilmente l’essenza dell’horror. Come una sorta di Final "Destination" che non lascia scampo...

Ancora una volta Douglas Gordon cerca di vestire i panni altrui, quelli di Avri Levitan e Roi Shiloach, musicisti di origine ebrea polacca, accompagnati durante un “viaggio a ritroso” verso la Polonia, per tenere un concerto

La volontà del regista non è solo quella di raccontare una storia di vecchiaia, ma anche quella di porre lo spettatore nella condizione di analizzare se stesso e chiedersi se mai nella vita sia arrivato il momento in cui ci si interroga sul senso della propria esistenza, e soprattutto se c’è un motivo per portarla avanti

Lo spazio della marginalità urbana è come un paesaggio univoco che unisce tutte le metropoli del mondo. Le accomuna con simili storie di violenza e solidarietà, istinti primitivi e lotta per la sopravvivenza, vita e morte. Il film di Botrugno/Coluccini parla proprio di questo: di come delle giovani vite possano crescere e interagire in un contesto che pare votato deterministicamente al concetto di violenza endemica

 
Alle vicissitudini di una famiglia greca disastrata fa da controcampo la Grecia storica, quella delle manifestazioni degli anni '70 ma anche della crisi attuale. Un'opera dura, sovraccarica, morbosa, che richiede l'impegno dello spettatore per riallacciare una trama sfilacciata

Un documentario sulle realtà profonde della città  di Napoli girato da un cineasta olandese. Di per sé uno spunto che ha un’originalità quasi costitutiva: uno sguardo terzo e alieno che piomba su relazioni, trame e consuetudini sociali che hanno alle spalle secoli di storia e sedimentazione. Ma questa peculiarità nell’approccio tende ad inaridirsi quasi subito, risolvendosi in una costruzione filmica altamente didattica

Drei non può che finire con la quadratura del cerchio. O meglio del triangolo. Lavoro di geometria, dunque. Dimostrazione di un teorema che parte da dati elementi e insegue un’ipotesi ben precisa. Ed è questa dimostrazione a scatola chiusa, un po' furba il limite maggiore del film di Tykwer, che sembra ormai incapace di ritrovare lo sguardo ‘puro, vergine, ingenuo’ dei suoi momenti migliori

I primi minuti di La Succession Starkov (Dharma Guns) virano bruscamente dal colore californiano a un bianco e nero abbagliante: un'eroina futuribile con qualcosa di antico, metà Musidora, metà Trinity, corre verso un incidente di sci nautico in un intro clamoroso che ricorda vagamente lo sperimentalismo visivo di Irma Vep di Olivier Assayas e le citazioni del cinema del passato di Guy Maddin.

Monte Hellman. In concorso con Road to Nowhere. Capolavoro assoluto: una implosione di cuore, tecnica e teoria. Dentro/fuori di una leggenda del sottobosco statunitense. È la storia di un giovane regista che suo malgrado si trova invischiato in una affare losco e pericoloso. Intento a girare un film importante sua una storia vera con morti e segreti politici, sembra di rivivere atmosfere hitchcockiane, in cui c’è un continuo e misterioso balletto di identità nascoste, velate, contraffatte

Lorenzo Leone (Cineclandestino.it)  racconta il suo Leone d'Oro del cuore alla videocamera di Sentieri Selvaggi. Per lui il film del festival è Venus Noire di A. Kechiche

E' di una straordinaria qualità questa Mostra di Venezia, dal 2004 in poi cresciuta nella ricerca di un cinema coraggioso, oltraggioso, capace di posizionare lo sguardo su piani sempre nuovi e differenti, ludico ma lucido, scoppieggiante nelle forme ma sinuoso e delicato nella trasmissione dei desideri. Perché di desideri, nella forma di eccentriche e stimolanti visioni, si tratta. E non di cinema arruolato nelle milizie della critica di regime. La Mostra di Marco Muller  rappresenta l’eccezione politico culturale del nostro paese, dove l'unica vera alternativa è la Rete. E quei pochi gioiosi resistenti che cercano ancora di far vedere che esiste anche un cinema di respiro, che “libera lo sguardo” invece di imprigionarlo, che ci permette di carpire la vitalità di alcuni cineasti e cinematografie e di godere di film magnifici e dirompenti, che urlano, sorridono, esplodono e ci penetrano del corpo, danzando e sparando al suono di una mitraglietta automatica.

Ha scelto alcune delle testate on line, il Direttore del Festival, per spiegare e raccontare senza peli sulla lingua, la sua Mostra del Cinema di Venezia. Dichiarando con chiarezza il suo pensiero e facendo nomi e cognomi ben precisi di quella sorta di “casta” della critica che cerca in tutti i modi di egemonizzare la “cultura cinematografica italiana”. Nomi e cognomi che risultano clamorosamente “scomparsi” nella versione dell’intervista pubblicata sul Corriere della Sera (già orfana della libertà di stampa, dopo l’addio di Marco Pratellesi?). Sentieri selvaggi non era presente, ma su cortese concessione dei nostri amici (bravi) di Cineclandestino.it, pubblichiamo la versione integrale dell’intervista, dove scoprirete che…

Per Mauro Gervasini (FilmTV)  il Leone d'Oro del cuore è il cileno Post Mortem di Pablo Larrain. Lo racconta alla videocamera di Sentieri Selvaggi

Cartografo, andinista, cineasta, fotografo, e la parola che contiene tutte queste definizioni, esploratore: Gaudino e Sandri scelgono di ritrarre non padre Alberto Maria De Agostini, non i suoi viaggi in sudamerica, ma la sua ostinazione herzoghiana, quella che lo rendeva già fantasma tra gli ultimi indigeni della Patagonia e della Terra del Fuoco, in un'opera vertiginosa che narra, invece della missione, l'ossessione.

Il ritorno dei supereroi mascherati, riletti attraverso la cifra irriverente propria del cinema di Takashi Miike, che rende il suo Zebraman una figura disallineata rispetto a un presente dominato dall’estetica della distruzione, dove il protagonista, per salvare il mondo, deve per prima cosa ritrovare se stesso

Arriva finalmente l’ultimo dei film italiani in concorso, La solitudine dei numeri primi di Saverio Costanzo, attesissima trasposizione dell’omonimo romanzo di Paolo Giordano, bestseller vincitore del Premio Strega nel 2008. Storia di due solitudini appunto, di un ragazzo e una ragazza segnati dalla vita, nell’anima e nel corpo. Il resoconto della conferenza stampa

La magia di Švankmajer, il suo splendido andirivieni tra organico e inorganico grazie all’interazione tra riprese “live” e “taglia e cuci” d’animazione, è intatto. Le sue invenzioni lasciano ancora a bocca aperta. Però progetti come questo, forse troppo carichi di sovrastrutture psicanalitiche, lasciano intravedere che questo andirivieni potrebbe anche essere legittimamente percepito come un limite

Uno dei ritorni alla regia più attesi degli ultimi anni. Il grande Monte Hellman e  la realtà che si confonde con il mondo virtuale del cinema. Film nel film, stratificazione di più piani, personalità che sembrano sdoppiarsi e dissociarsi, atmosfere torbide si intrecciano. Road to Nowhere è la ricerca spasmodica di una verità originaria, che chiama la realtà delle cose del mondo e di sé, è la storia di una conversione. Dalla realtà presunta soggiacente, all’immagine

Spinta tra vari scismi, Mumbai diventa lo sfondo della ricerca di Ruth, in lotta per la sua indipendenza e il suo spazio, risucchiata sempre più in profondità nel labirinto del ventre della città. Ruth spera di poter trovare l’anello mancante della sua famiglia, suo padre. Regista fondamentale della Bollywood contemporanea, Anurag Kashyap è tra massimi sperimentatori dei classici mèlo del suo Paese

Miike Takashi, doppiamente presente a Venezia sia fuori concorso (le proiezioni di mezzanotte Zebraman e Zebraman 2) che in concorso (13 Assassins - Jûsan-nin no shikaku) presenta i suoi film accompagnato dal produttore Jeremy Thomas, dal giovane Takayuki Yamada e dal grande attore Kôji Yakusho di Retribution, Acqua tiepida sotto un ponte rosso, Tôkyô sonata, in questo 13 Assassins nei panni di Shinzaemon Shimada, a capo dei 12 samurai decisi a combattere il crudele e ingiusto Naritsugo.

Dal romanzo omonimo di Paolo Giordano, il cineasta romano al suo terzo film realizza un'opera ondivaga, a tratti disturbante, che respinge e insieme seduce, forse troppo costruita all'inizio ma che  finalmente si riesce a togliere le scorie di dosso nell'ultima riuscitissima parte in cui emerge il suo talento visivo, tra tracce esistenzialiste e suggestioni horror, e la sua precisa idea di cinema che rifiuta il flashback e soprattutto la voce fuori-campo e lascia totale spazio ai silenzi e alla metamorfosi dei corpi

Una riflessione sui Painéis de São Vicente de Fora, capolavoro del XVI secolo attribuito a Nuno Gonçalves. Scena di storia o ritratto collettivo, il portentoso polittico si anima sul grande schermo come vero emblema del Portogallo e dell’umanità intera.  Il realismo onirico di De Oliveira si sposa alle incertezze sull'autore, la datazione e i significati che muovono l'immaginazione. Come la loro intraducibile passione: saudade, forse la malinconia...

Alla sua prima prova nel lungometraggio la Randi non lesina certo gli argomenti con i quali confrontarsi. In questo film, infatti, si parla di precariato, di integrazione e di intreccio camorra (imprenditoria) e politica. Ma per fortuna questa è una commedia, al servizio della quale, la regista mette il suo sguardo che, oltre ad essere naturalmente leggero, non è mai stereotipato.

Vénus noire è un film che, portando all’estremo il metodo di Kechiche, ne mette a nudo i limiti. Come già ne La schivata e Cous Cous, siamo di fronte a un cinema ossessivo, che tiene incollato lo sguardo sui corpi e sui volti, sui dialoghi e sui gesti. Un cinema che ricerca l’intensità nella durata. Ma stavolta l’intensità, la passione, la sensualità scompaiono per lasciar posto a una sensazione di freddezza disarmante

Un melodramma pervaso da una sorprendente ed oscura carica erotica “illecita”, e dagli evidenti sottotesti politici. Dietro il rapimento della moglie dell’inflessibile poliziotto Dev da parte di un feroce e potente leader tribale, c’è tutta la tensione tra il “locale” e il “nazionale” che sappiamo scuotere variamente quella penisola da tempo. Ratnam, come sempre, sa rivoltare come un guanto la Bollywood più rumorosa e sgargiante e piegarla alle proprie ambizioni

Fuori Concorso il secondo lungometraggio da regista di Ben Affleck. Vincitore nel 2006 della Coppa Volpi per la sua interpretazione nel film Hollywoodland di Allen Coulter, nonché premio Oscar per la sceneggiatura di Will Hunting – Genio ribelle, traspone sul grande schermo il romanzo di Chuck Hogan, “Il principe dei ladri”, in cui si raccontano le vicende di Doug, rapinatore che si innamora durante un colpo della direttrice della banca svaligiata

Attenberg funziona proprio come l'odore di un portone, di una federa, o di una casa nuova -  di quelli che non sappiamo classificare: sono chimici, o seducenti? Le scapole alate sono residui di animale o promesse angeliche?  - che alla fine si svela per un altro film di attesa e di commiato (come in modi diversissimi Post Mortem e Promises written in water) capace di commuovere, se non si perde il cuore della sua natura: una barzelletta sporca che contiene solo ciò che viene a mancare dietro la risata violenta o la freddura, uno spettacolo malinconico di Lenny Bruce

 Frammenti, flash, attimi/pezzi di cinema. Sono quelli che, fatalmente, ci colpiscono e restano dentro, quando in un Festival vediamo in breve tempo decine e decine di film, uno dopo l’altro. Le trame sfuggono, non ricordiamo piu’ perché quel film ci aveva catturato o, al contrario, al quale ci eravamo negati con tutta forza. Ecco allora che restano dei brandelli d’immagini, che non ci abbandonano più e ci perseguiteranno per sempre, nel bene e nel male…

Al di là dell'apparato storiografico e del solco celebrativo dei 150 anni, questo è un film che ha il coraggio di parlare di Storia e di Italia guardando alla sua integrità, all’interezza del suo essere corpo che immagina se stesso nel sogno di una gioventù che idealizza. Martone lavora su un’Italia che è cinema nella nostra memoria rosselliniana

Solidissima e avvolgente seconda prova da regista dell'attore statunitense, un noir urbano di taglio realistico di invidiabile essenzialità nelle scene d'azione con gli inseguimenti sospesi tra il cinema di Friedkin e quello di Frankenheimer, ma anche una reincarnazione di 'ultimi grandi eroi' come I mercenari di Stallone. Soprattutto, un vibrante spaccato della complessità dei rapporti umani evidente nella descrizione della storia d'amore tra desiderio e dolore. Prova da brividi della protagonista Rebecca Hall

Il terzo film francese in concorso è Venus noire, di Abdellatif Kechiche, che già tre anni fa aveva partecipato alla selezione ufficiale della Mostra con l’acclamato La graine et le mulet (Cous Cous), che si era aggiudicato il Gran Premio della giuria. Il resoconto della conferenza stampa

Il regista cinese affronta la tematica della ricostruzione del buddismo a seguito delle persecuzioni subite fino al 1976. Ci racconta come si stiano raccogliendo le fila di culti millenari e di scelte etiche profonde, senza tempo

La famiglia vera del regista piacentino si mescola con quella cinematografica. Girato tra il 1999 e il 2008, in sei segmenti avviene il miracolo della costruzione di una vicenda e soprattutto un altro viaggio nell'inconscio. A volte è annullato il limite tra ciò che è vero e ciò che è ricostruito e la casa di Bobbio costituisce sempre il necessario punto di approdo, tra il digitale del presente o del recente passato e il bianco e nero di I pugni in tasca. Un altro film non finito, un album che si potrebbe riaprire anche in futuro

Mario Martone, il cosceneggiatore Giancarlo De Cataldo e il cast di Noi Credevamo raccontano la lavorazione del film in concorso a Venezia 67. Sono presenti tra gli altri Luigi Lo Cascio, Francesca Inaudi, Valerio Binasco, Guido Caprino, Edoardo Natoli, Luca Zingaretti, Luca Barbareschi

Lo sguardo della giovane regista è d’amore nei confronti del paesaggio africano, della sua gente e delle sue tradizioni. Il percorso della protagonista Amy è una sorta di viaggio al contrario, verso il natio Burkina Faso, per far luce sul proprio passato ma anche e soprattutto per tentare di conquistare una identità presente, che è uno dei temi forti di questo 67° Festival di Venezia

Tanovic riesce ancora una volta, come nel suo fortunato esordio No man’s land, a raccontare il dramma della guerra attraverso una chiave di lettura metaforica, con le piccole vendette familiari che si sovrappongono  alle grandi vendette della storia. Il tutto, come sempre nel cinema balcanico, alternando continuamente il riso alle lacrime

El sicario - Room 164 di Gianfranco Rosi, nella sezione Orizzonti, è materia estremamente viva. Nato da un saggio di Charles Bowden pubblicato su Harprer’s Magazine nel 2009 il film è il lucido racconto di un ex sicario dei narcotrafficanti, che in un incontenibile crescendo, descrive gli orrori e le torture inflitte alle vittime.

Il regista di Crimen Perfecto e La Comunidad arriva al Lido per presentare in concorso il suo Balada triste de trompeta: una riflessione sulla guerra civile spagnola, senza rinunciare ala suo usuale sguardo. Ma che, anzi, lui definisce la sua opera più personale.

Parte dalla Seconda guerra Mondiale e giunge alla Spagna franchista degli anni ’70, raccontando la Spagna a cui forse hanno sottratto la giovinezza, la stessa che Javier, pagliaccio triste, non ha avuto e che adesso rivive nel ricordo del padre, ucciso dai militari. Alex de la Iglesia è vomitatore di cinema, come un certo Quentin Tarantino, quest'anno presidente di giuria e quindi probabile estimatore del regista spagnolo...

Vero o finto non conta. Come se una sola immagine potesse dire la realtà. Come se il movimento di un attore non fosse più movimento. Quel che conta è che Casey Affleck, con un solo film sembra già vivere in una sorta di universo alla Herzog. Sa cosa inquadrare, sa cosa mostrare (quasi tutto) e cosa tacere (molto poco). E ci accompagna per mano lungo le traiettorie elicoidali della vita

La regista basa il suo documentario su un'idea forte di contrapposizione che si trasferisce subito al livello dell'immagine: da un lato, le fredde ciminiere, le sagome nere e minacciose delle fornaci che occludono l'orizzonte, l'angosciante profilo notturno della zona industriale tarantina illuminata dai fari rossi delle luci di sicurezza; dall'altro, l'umanità assoluta delle donne che combattono contro il mostro di lamiera, che hanno invece occhi pieni di lacrime, volti stanchi, mani che spesso si chiudono in pugni di rabbia

Il bellissimo film a sorpresa di questa edizione racconta il destino di alcuni "dissidenti" nella Cina degli anni '50, deportati in un campo di lavoro nel deserto dei Gobi. Ancora un grandissimo regista cinese, capace di non far rimpiangere uno dei massimi esponenti della cinematografia mondiale in assoluto, il connazionale Jia Zhangke. Completamente diversi nello stile, ma con la stessa capacità di mescolarsi con la materia filmica, senza intralciare il flusso degli eventi, senza manipolare eccessivamente le flebili pulsazioni dell’esistenza

“Il nostro passato ci accompagnerà sempre”. Questa è la frase che la regista ama ripetere in ogni sua dichiarazione. Una frase che forse illumina più di ogni altra complessa analisi il disorientamento che si prova vedendo questa controversa opera prima. Un film che mescola una struttura convenzionale e macchinosa a rari ma sublimi momenti di cinema bergmaniano

Il film è stato realizzato nell’ambito della ricorrenza del centocinquantesimo anniversario dell’unità d’Italia per ricordare i momenti gloriosi e bui di questo paese con differenze tanto marcate. Il racconto si snoda tra cinegiornali e documentari dell’archivio Luce, attraversando, non senza una ridondante retorica, la storia di questo paese fino agli anni ’80

La pellicola si intitola “Padre”, ma fin dal primo dialogo comprendiamo che forse sarebbe risultato più opportuno chiamarla “Figlio”. Si, perchè la quasi totalità dei confronti tra i due presentano un bambino straordinariamente (a volte, bisogna ammetterlo, eccessivamente) lucido e maturo, di fronte ad una padre esterrefatto, e al confronto piuttosto incolore

Proprio quando l’immagine si fa tanto abbagliante e perfetta da avvicinarsi al tableau vivant, l’occhio della Reichardt si posa perfino sugli oggetti d’epoca con una struggente sensazione di modernità straniata, come nelle foto e nei quadri di una scuola di giovani fotografi e pittori contemporanei del Northwest, anche se il suo mezzo è il cinema. Come una spia accesa nella notte, un allarme che ci fa pensare al mondo che viviamo oggi, anche se parliamo dell’800 dei pionieri.

Il film di Michele Placido irrompe al Lido e certamente non poteva passare inosservato. Addirittura è stato attaccato preventivamente da alcuni politici e parenti delle vittime di uno dei più discussi fuorilegge degli anni ’70, Renato Vallanzasca, padrone indiscusso della criminalità milanese. Fuori Concorso, Vallanzasca – Gli angeli del male, è una rilettura del personaggio e di quel periodo storico del nostro Paese. ASCOLTA L'AUDIO DELLA CONFERENZA STAMPA

Il percorso di emigrazione da un paesino del sud fino alla città simbolo dello sviluppo economico: Milano, visto attraverso gli occhi di un bambino. Un prodotto di finzione nei contenuti che però utilizza esclusivamente immagini di repertorio Rai, per raccontare l’Italia del boom.

Tsui Hark racconta la sua parabola sul potere e la giustizia, per dire, ovviamente, che l’uno può trovare fondamento solo nell’altra. Ma ovviamente non è (solo) questo che gli interessa. E’ piuttosto costruire la coreografia adatta all’incoronazione a venire, girare il film quasi come fosse lo spettacolo cerimoniale. All’inseguimento di John Woo sul terreno dell’eccesso, ben oltre tutti gli altri

Vallanzasca è un cinema fatto di materia, di corpi feriti, colpiti a morte, persino spappolati dall’auto che gli passa sopra fino a sentirne lo scricchiolio delle ossa che si rompono. E’ una furia umana che sembra avvolgere ogni cosa, ogni momento, ogni situazione. C’è sempre il sangue che scorre a fiumi, la violenza che genera violenza, ma dentro il grande contenitore d’impianto cinematografico Doc. Placido realizza il suo “Nemico pubblico”, cinema spettacolare/emozionale che ci racconta come potrebbe essere il cinema italiano…

Terza straordinaria opera dell'attore statunitense che è insieme anatomica e ha la passione e la disperazione di un rapporto sessuale. La macchina da presa sta attaccata ai corpi, li segmenta e, attraverso un granuloso bianco e nero, recupera il cinema sperimentale underground statunitense di fine anni '50 e l'impeto di John Cassavetes nella ripetizione dei gesti, nella visione anatomica delle figure, del cinema come seduta terapeutica imprenscindibile. Un cinema che scuote, sconvolge, che non lascia scampo

Il regista polacco Jerzy Skolimowski accompagnato da Jeremy Thomas (produttore spesso coraggioso, a lui dobbiamo tra i tanti film Crash di David Cronenberg) presenta alla stampa Essential Killing, film selezionato tra i titoli in concorso e interpretato da un  Vincent Gallo "solo contro tutti", uomini e paesaggi ostili

Casey Affleck accompagna al Lido I'm still here. The Lost year of Joaquin Phoenix, presente a Venezia 67 nella sezione fuori concorso, e racconta il suo debutto alla regia a partire dall'illuminazione ricevuta sul set di Gerry, di Gus Van Sant, a proposito della libertà espressiva,  la sua amicizia con Joaquin Phoenix e il "ritratto empatico" che ha voluto realizzare con lui

Il regista Aureliano Amadei mette in scena lo stralcio di vita che aveva raccontato in precedenza nel romanzo 20 sigarette a Nassirya, la propria storia, quella di un giovane aiuto regista catapultato, per caso, in una guerra che non gli appartiene, e che lo cambierà per sempre

Questo documentario è un percorso nella quotidianità di donne forti e orgogliose, ma anche rese fragili dall’avvicinarsi della festività che per eccellenza celebra la famiglia: il Natale. Segue le loro giornate, raccontando storie piene di amore e tenerezza ma anche di tossicodipendenza e crimini

Ancor più che nei suoi lavori precedenti, la Torre ci propone un racconto corale tutto al femminile, ed in questo, certo, il lavoro può dirsi riuscito, grazie soprattutto ad un ottima galleria di personaggi/interpreti capaci di caratterizzare perfettamente alcuni prototipi femminili contemporanei, per le quali è necessario addirittura un miracolo (vero) per riscoprire la normalità affettiva

Passione è un affettuoso omaggio alla canzone napoletana come specchio del popolo partenopeo, nel quale si passa con estrema disinvoltura dai grandi nomi della ricerca filologica (Barra, Avitabile), agli innovatori (Raiz, Senese) fino ai cantanti di strada, senza mai abbassare la carica emotiva che resta, sempre e comunque, altissima

Stefano Fornari, fashion designer di Carta & Costura, ha commentato e giudicato per noi lo stile e l'eleganza delle star che sono sfilate sul red carpet di questa prima metà di Venezia 67. Simone Emiliani si focalizza invece su La Situazione Comica (1937-1988), la retrospettiva dei 'classici' riscoperti del cinema comico nostrano, a cura di Marco Giusti, Domenico Monetti e Luca Pallanch. Aldo Spiniello analizza la prima settimana di kermesse al Lido. ASCOLTA IL PODCAST

Tsui Hark, uno dei registi sicuramente più rappresentativi del cinema di genere cinese, con il suo Detective Dee and the mystery of phantom flame concorre per il Leone d’oro in questa edizione della Mostra del cinema. Un film che muta il suo punto di vista, ma che conferma le sue doti di generatore di spettacolo.

Sul tavolo dell'autopsia c'è Salvador Allende, o uno dei tanti corpi che soccombono ai Poteri. Ma anche il cuore umano, la sua ostinazione a creare illusioni anche nello squallore quotidiano, in questo splendido film di Larraín che mostra la violenza della solitudine con bisturi e filo di sutura, raccontando tutti i tipi di guerra, compresa l'ossessione amorosa 

Marco De Angelis e Antonio Di Trapani sono i due autori di Tarda estate, presentato a Venezia nella sezione Controcampo
italiano. Tarda estate è un film che nasce dall’amore, condiviso tra i due autori, per la cultura del Giappone e già
nel suo titolo riecheggiano i titoli dei film dal grande maestro Yasujirô Ozu.

Il giovane regista cileno Pablo Larraín, unico latinoamericano in concorso a Venezia 67, racconta la sua visione personale di due solitudini nel bellissimo Post Mortem, accompagnato dai protagonisti, Alfredo Castro (già diretto in Tony Manero) e Antonia Zegers (presente a Venezia anche con La vida de los peces)

Una lezione di storia recente e di etica che non cita nessuno, nessuno dei nomi dei politici di oggi, destra o sinistra compresi. Senza alcun sociologismo da sinistra snob che si lamenta del decadimento culturale del nostro paese e citazioni di reality. Sorvolando qualsiasi discorso ideologico, con Draquila appare oggi il documentario più necessario. Da far vedere nelle scuole. Non tanto per smuovere le coscienze ma per recuperare la nostra recente memoria.

Scorsese davanti la macchina da presa si mette a nudo con una sincerità disarmante, certamente superiore a quella che oggi mette in gioco quando è dietro la macchina da presa. Il modo in cui parla dei film, dei registi amati, il modo in cui si lascia andare, raccontando il cinema e se stesso… E’ sconvolgente, perché ci appartiene...

François Ozon racconta Potiche, ispirato alla pièce di Pierre Barillet e Jean-Pierre Grédy, e le influenze sulla trasformazione
del testo teatrale in un film: una commedia ambientata negli anni '70 che il regista francese utilizza per giocare con temi molto attuali. Lo accompagnano Catherine Deneuve, Fabrice Luchini, Karin Viard, Judith Godrèche e i produttori Eric e Nicolas Altmeyer.

La passione in concorso a Venezia, conferma le doti di Carlo Mazzacurati e la sua capacità di guardare con il necessario distacco la materia narrativa da mettere in scena, ma questa peculiarità, che talvolta giova all’esito del film, qui assume i profili di un limite. Una maggiore partecipazione emotiva avrebbe conferito al film maggiore coerenza, riscaldato il racconto così da raggiungere il cuore dello spettatore

Quello che Skolimowski cerca è sempre l’esasperato limite verso cui è spinto l’uomo. Non importa quali siano le circostanze, quello che conta è il segno profondo che resta dietro di lui, la macchia nera che lo circonda, mentre pochi lampi di luce devono bastare a mostrare i contorni. E così capovolge ogni aspettativa costruendo il suo film come un western anacronistico e disorientato. Sopravvivere prima di tutto mentre ci si spinge verso la morte

L’apprezzata autrice di Wendy and Lucy e Old Joy arriva al Lido per presentare in concorso il nuovo Meek’s Cutoff, storia di pionieri che si perdono nel deserto per colpa di una guida truffaldina e saranno costretti a fidarsi di un indiano.

Affermati innovatori del cinema dell’orrore asiatico i fratelli Pang dopo il successo mondiale della serie di film inaugurati da The Eye presentano il quarto capitolo della saga dell’occhio, opera che può vantarsi di essere il primo film horror asiatico in tre dimensioni. Proprio quando si pensa che tutto sia stato fatto e visto, ecco che i fratelli Pang mischiano ancora una volta le classiche tematiche del genere

Opera prima che sembra già denotare una buona dose di maturità, questo noir psicologico ruota attorno ad un omicidio passionale che diviene specchio di assai più complesse dinamiche psichiche interne ad una coppia

Questo delicatissimo film scandito dal ritmo ipnotico dello sciabordio del mare permette allo spettatore di scivolare fin dalla sequenza iniziale nei panni dei protagonisti, seguendo il traumatico avvento dell’età adulta e lasciando che ci si affezioni a loro accompagnando ogni loro gesto, amando ciò che loro amano, soffrendo con loro, condividendone la disperazione per l’innocenza perduta

Con Robinson in Ruins  Patrick Keiller prosegue la sua radicalissima sperimentazione sulla commistione tra cinema e conoscenza. È il terzo capitolo di un trittico dedicato al misterioso professor Robinson: un esploratore della nostra civiltà che non viene mai inquadrato, mai visto, è puro sguardo celato dietro ad una perenne soggettiva

Cercare di scoprire cosa resta della cultura italiana attraverso semplici domande rivolte sia a uomini di cultura che a “l’uomo della strada”. Un viaggio su e giù per lo stivale che se da una parte rievoca il fascino dell’indagine compiuta sulla carne viva del società italiana, dall’altro si mantiene troppo in superfice per riuscire a stimolare (ma soprattutto a focalizzare) un’adeguata riflessione