Il più audace, emozionante, intenso di tutti i film è stato senz'altro Anna di Grifi e Sarchielli (1972) riproposto a Venezia 36 anni dopo in una versione restaurata del 16mm che lo stesso Grifi ricavò dalle 11 ore di nastro di partenza. È stata più che una visione un abbandono, uno stravolgimento intimo, però collettivo.

Lo ripetiamo: “…Müller è riuscito a trasformare l’istituzione in un laboratorio, il museo in uno spazio aperto e vivo…”. E quest’anno, con estrema coerenza, è riuscito a restituire un’idea di cinema come contaminazione perpetua e incontrollata, sguardo sporco e sghembo capace di rimettere in discussione i più semplici meccanismi dell’apparato economico, istituzionale-spettacolare che ci domina

Ultime pillole, frasi colte al volo, curiosità, uscite di testa, collegamenti videocrebrali sfasati, ecc... Ultimo giorno con Simone Emiliani dalla 68a Mostra del Cinema di Venezia.

Grande risposta dei lettori al complesso lavoro della redazione alla 68a Mostra del Cinema di Venezia, con oltre 200 tra articoli, recensioni, news, foto, video e commenti. A sorpresa l'articolo più letto durante il festival è “Un été brûlant”, di Philippe Garrel (Concorso), davanti al pluricommentato "Box Office 3D", di Ezio Greggio (Preapertura), e ai due altri italiani "L'ultimo terrestre", di Gian Alfonso Pacinotti (Concorso) e "Scialla!", di Francesco Bruni. 

Il giovane regista coreano Kim Kyung-Mook realizza un film mutante, in grado di transitare fra mondi narrativi contrapposti a forza di continui cambiamenti di stile e di registro. Operazione irritante e affascinante ad un tempo, Jultak Dongshi rivela una forte personalità d’autore, a cui manca forse ancora la consapevolezza necessaria per non incorrere nei limiti dell’autorialismo

L’Oiseau è un film sul dolore, sulla difficoltà di superare l’ingiustizia di certi eventi. Sul trovarsi in un punto della propria vita in cui mancano motivazioni e stimoli per andare avanti. La regia di Yves Caumon è lucida ma eccessivamente impersonale. Sembra appoggiarsi completamente allo svolgersi della monotona esistenza di Anne, vive in simbiosi con la sua noiosa apatia. La segue fedelmente, come un osservatore silenzioso e rispettoso. Non ha sussulti, si conforma alla perfezione al carattere del personaggio principale per buona parte del film

 “Non aver paura di lanciarsi dalla cima di una montagna", così la regista portoghese definisce il sentimento che ha ispirato il film, e così il suo cigno che apre le ali obbedisce all’impulso di chi impara che bisogna rischiare tutto per catturare almeno una preziosa scintilla di libertà. Non c’è garanzia di redenzione o salvezza, ma forse, per la prima volta nel cinema della Villaverde, la possibilità di un’isola

Davide Ferrario ripercorre il viaggio che da Quarto condusse i Mille a Marsala, fino poi allo storico incontro a Teano tra Giuseppe Garibaldi e Vittorio Emanuele II. Un documentario più importante che davvero bello, e che a tratti non sembra riuscire ad affrancarsi da certi luoghi comuni: ma comunque uno strumento utile per non smettere mai di guardare a noi stessi e alla nostra Storia

Blachschmidt sceglie di puntare i riflettori sul dettaglio più raccapricciante di quell’ormai lontano luglio genovese. L’assalto alla scuola Diaz. Attraverso filmati amatoriali, slide di foto e soprattutto i racconti di sette ragazzi, testimoni oculari dell’accaduto, viviamo lo choc e la bestialità di quella serata assurda

Il secondo lungometraggio del quarantacinquenne regista francese, vince il premio come miglior film europeo delle Giornate degli Autori. Riconoscimento meritato, anche se in questa sezione era presente un’altra opera di grande bellezza, quella di Philippe Lioret, Toutes nos Envies. Vincent Garenq rappresenta però l’ennesima bella sorpresa transalpina degli ultimi anni. Racconta il più grande scandalo giudiziario francese dal dopoguerra ad oggi, quello di un uomo, padre di tre bambini, accusato ingiustamente di pedofilia

Meriterebbe una gallery esclusivamente dedicata anche solo per le sue espressioni Lau Ching-Wan (A hero never dies, Running out of time 1 e 2, Mad Detective)  qui in conferenza stampa con altre due interpreti, Denise Ho, Myolie Wu e con il regista Johnnie To durante la presentazione di Life without principle.

E' il film di Ann Hui il Leone d'Oro per la redazione di Sentieri selvaggi della 68a edizione della Mostra del Cinema di Venezia. Migliori film del Festival sono, ex aequo, TAO JIE (A SIMPLE LIFE) di Ann Hui, LIFE WITHOUT PRINCIPLE di Johnnie To, ANNA di Grifi e Ponchielli e A DANGEROUS METHOD di Cronenberg. L'illuminazione personale più votata è TOUTES NOS ENVIES di  Phillippe Lioret

Ami Canaan Mann e il padre Michael (qui produttore) presentano Texas Killing Fields accompagnati dallo sceneggiatore Donald F. Ferrarone, ex agente DEA che per lo script si è ispirato alla figura reale di un detective texano e in passato ha già collaborato con Mann, come consulente per Miami Vice.

Visione doppia, diplopia, il corpo e lo spirito solcano due mondi paralleli, di strabica visionarietà. Shinya Tsukamoto e Cocco (pop star giapponese) ancora insieme, dopo Vital del 2004. Opera, per certi versi, strepitosa perché sorprendente: per la ricerca di una rinnovata identità e dell'essenza della passione, per un cinema che svela l'organicità che ci decompone. Ma resta sempre cinema fatto di pittura a inchiostro digitale, dove questa volta la sensibilità cromatica e le tecno-immagini si fondono per poi dilatarsi. Denaturato o rivitalizzato?

Johnnie To è uno dei più grandi registi della Terra. E Life Without Principle è uno dei suoi film più densi e necessari, una sintesi vertiginosa che, pur aperta versa nuovi orizzonti, rilancia e porta all’estreme conseguenze tutte le ossessioni che lo agitano da sempre. Uno dei film più cupi e definitivi sulla globalizzazione, ma anche la definitiva affermazione di una visione del caso o del destino, incrocio perverso e incontrollabile di esistenze che si sfiorano e si perdono per una frazione di secondo

Avvolgente e malata opera seconda della figlia di Michael Mann (qui nelle vesti di produttore), un poliziesco che poi scivola nelle zone torbide del thriller, tra Carl Franklin e il mistero di Picnic ad Hanging Rock, dove gli alberi assumono quasi una valenza simbolica, elementi di un labirinto pieno di trappole, dove un'ipotetica superficie della fiaba si sventra e si apre veso i meandri più oscuri. Con un cast di grande livello

Grande emozione e lungo applauso in sala stampa per il Leone d'Oro alla Carriera presentato quest'anno al regista italiano Marco Bellocchio. Molte domande sul passato e sul presente del cinema italiano, sul suo rapporto contrastato con ogni tipo di istituzione e con l'amico-rivale di sempre Bernardo Bertolucci che in serata gli consegnerà il premio. Domande che hanno ricevuto risposte sincere e come al solito illuminanti da parte di Bellocchio

Shinya Tsukamoto parla del suo nuovo Kotoko, frutto di una collaborazione artistica con la popstar Cocco, già autrice della colonna sonora di Vital e protagonista di un video realizzato da Tsukamoto. Il regista giapponese racconta quanto c'è della personalità di Cocco e dell'angoscia del dopo terremoto nel suo film, accompagnato da Mirai Mizue, autore di Modern n. 2, corto d'animazione interamente realizzato a mano che ha preceduto la proiezione di Kotoko.

Più Simona Izzo che Ricky Tognazzi, un'allargamento familiare sospeso tra un rimpianto più spacciato che concreto e una conciliazione dove tutte le cose devono necessariamente tornare al proprio posto. Nella sua coralità, le singole vicende seguono un percorso proprio e solo casualmente si incrociano con le altre, con un unico sussulto nella scena della salita sulla montagna, in bici e in auto, dei due protagonisti

La regia di Gipi tenta immediatamente di istituire un regime dello sguardo alieno sulle cose del mondo, ma si ferma irrimediabilmente sulla soglia del cinema restando ancorata ad una fruizione filmica da graphic novel. Una prospettiva dall’alto verso il basso (il lettore che legge un libro) e mai a misura d’uomo (visione spettatoriale “proiettata” verso uno schermo vivo) che fatica terribilmente a far respirare un film rinchiuso in un’esperienza prettamente intellettuale e quasi mai emozionale

Un dialogo incessante con i personaggi della notte di Tel Aviv. Film di idee più che di storie, questo Would you have sex with an Arab?. Una pazza idea, una tentazione. Ma anche un’utopia: opporre alla follia della guerra quella del desiderio, vettore privilegiato di una possibile dissoluzione delle identità. Un'esplorazione della notte come luogo in cui le difese si abbassano e il desiderio può circolare liberamente. Nella speranza che per una volta, al risveglio, il sogno si sia realizzato.

Con The Sword Identity il wuxiapian si spoglia delle carni e del sangue, per diventare riflessione teorica sulla forma del genere e sulle contaminazioni impossibili provenienti dalla contrapposta cultura giapponese: così facendo però Xu Haofeng realizza un film tutto di testa e poco di cuore, un film che si stima senza mai amare veramente fino in fondo.

Nel fertile dibattito inaugurato proprio da Sentieri Selvaggi sull’opportunità o meno di continuare a insistere sulla terza dimensione cinematografica confinata nei tanto discussi occhialetti, Shimizu dice la sua facendo intravedere un 3D necessario e non solo abbellente. Per Shimizu il 3D è il regno del malato che doma le proprie patologie in un cinema, dove la terza dimensione (in una scena visivamente molto potente) fonde virtualmente le poltrone della “nostra” sala con le quelle della “sua” sala creando un'effetto di vertigine "reale"

Prodotto da Fuori Orario, questo progetto sembra accentuare soprattutto il fortissimo contrasto tra il leggendario cineasta armeno (inventore di un tipo di montaggio straordinario e imprendibile, volatile e poetico) e il giovane casertano che lo ritrae; tra un Maestro del silenzio in immagini e un brillante cineasta emergente con molta voglia (e capacità) di “dire” con tutti i mezzi possibili

Pillole, frasi colte al volo, curiosità, uscite di testa, collegamenti videocrebrali sfasati, ecc... Ogni giorno con Simone Emiliani dalla 68a Mostra del Cinema di Venezia.

Il trentasettenne Eran Kolirin, dopo il successo del 2008 con La banda, si discosta dal suo incedere fiabesco, in cui lo straordinario innervava l’ordinario, ma ritrova, in qualche modo, quell’incedere disposto su confini inesistenti di una “free zone” immaginaria, all’interno di un dramma esistenziale nella sublimazione della staticità.Un uomo torna a casa in un momento della giornata in cui non è mai tornato e per un istante gli sembra di essere entrato nella casa di uno sconosciuto…

Il ritorno alla regia di William Friedkin ha il sapore acido dello sberleffo nichilista. Con tutta la rabbia furiosa dei giovani esordienti, il settantenne regista americano riesce a comporre un affresco sulla famiglia cattivissimo, girato in digitale, che da solo fa impallidire tutto il cinema di Todd Solondz. Black commedy tratta da una piece di Tracy Letts, dove la risata riesce a ferire quanto un colpo di pistola. Fuck the family

 Il grande regista russo è giunto al festival per presentare Faust, ultimo capitolo di una tetralogia sul potere che comprende Moloch, Taurus e Il sole. Questa volta il personaggio di partenza non nasce dalla Storia del Novecento, bensì dal celebre capolavoro letterario di Johann Wolfgang von Goethe

Portret v sumerkakh scritto da Olga Dihovichnaya che ne è diventata protagonista e diretto da Angelina Nkonova, non è una riflessione sulla Russia di oggi, non è neppure una indagine sulla deteriorata condizione sociale delle metropoli russe è, invece, molto più profondamente un singolare e quanto mai profondo scavo nella psicologia femminile come raramente capita di vedere nelle storie del cinema. Nella sezione Giornate degli Autori

Il terzo e ultimo film italiano in concorso è L’ultimo terrestre, esordio al cinema del noto disegnatore Gipi. La storia, tratta dalla raccolta di fumetti Nessuno mi farà del male di Giacomo Monti, è incentrata su un giovane dai gravi problemi relazionali, oppresso dall’inquietudini e dall’incapacità di rapportarsi all’altro sesso. Finché l’annunciato arrivo degli alieni non gli darà finalmente respiro. Il film uscirà in sala il 9 settembre

Presentata al Lido di Venezia la seconda edizione del premio dedicato al cineasta scomparso lo scorso anno. 

Storie vere che poi diventano finzione, storie di fantasia che si avvicinano molto alla realtà, è questo il mix che rende interessante il film. Il racconto della vita spezzata di gente comune, che di colpo si vede portar via tutto, casa, famiglia, e la semplice normalità quotidiana, non lasciano sicuramente indifferenti

Il maestro russo conclude la sua tetralogia sulla natura del potere e dopo Hitler (Moloch), Lenin (Taurus) e Hirohito (Il sole) si affida alla rilettura del celebre mito di Goethe. Questo è un film che trasuda una strana vitalità, sospinto verso un gioco che non è solo la scommessa mefistofelica, né tanto meno l’estasi dell’attimo felice, ma ha quasi la portata fisica del gesto che libera i corpi, che scardina la rigidezza dell’esistere nella sua idealità - IL FILM VINCITORE DEL LEONE D'ORO DI VENEZIA 68

Cai Shangjun sembra cercare la contaminazione e, in accordo con la sua formazione di sceneggiatore, lavora sulle forme narrative, costruendo tutto il film intorno a delle ellissi, via via sempre più ampie. Il racconto si sviluppa sui vuoti, quasi a voler rimarcare il nichilismo del suo protagonista. Si avverte l’eccesso di scrittura, eppure, ciononostante, resta il tentativo di percorrere territori non del tutto scontati. E il fascino di un personaggio autentico

William Friedkin dice cose serie con molto umorismo: nella conferenza stampa di Killer Joe, presentato oggi in concorso,  insieme allo sceneggiatore, il premio Pulitzer Tracy Letts (estimatore di Tennessee Williams, William Faulkner e Jim Thompson: Killer Joe, come Bug, è tratto da una sua pièce). Insieme alla coppia creativa anche uno degli attori protagonisti, Emile Hirsch, e ai produttori Nicolas Chartier e Scott Einbinder.

Viaggio nella memoria di un episodio recente, troppo poco enfatizzato e troppo in fretta dimenticato. Quel 18 settembre 2008, quando sei ragazzi di origine africana furono crivellati di colpi dalla camorra. Il film funziona, la regia è ben presente ma non ingombrante, il cast regge alla perfezione anche nei momenti di massimo pathos. Forse avrebbe potuto spingere di più l’acceleratore sul cinema di genere, la scena finale del massacro dimostra che avrebbe potuto. La scelta è di non strafare e il risultato è comunque ammirevole

Tratto da un romanzo di Rachel Klein, il film di Mary Harron racconta le vicende di un gruppo di amiche turbato dall’arrivo di una nuova misteriosa studentessa, in un collegio femminile. Il meccanismo della narrazione funziona perché a tenerlo in piedi c’è una solida base di tensione, una fotografia fredda e ambienti ben studiati, bui, vittoriani. Le ingenuità, alcuni personaggi manovrati superficialmente, non intaccano l’efficacia della trama. Questo tipo di cinema ha bisogno di questa linfa. Non è il finale né cosa si racconta, è come lo si racconta

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Lentamente ma con decisione, il cinema di Abel Ferrara sembra direzionato verso un approccio decisamente più esteriore, quasi antropologico, della deriva umana, piuttosto che scavarne nelle trame della pelle quel sangue sgorgante di un dolore interiore che non conosce più il futuro. Ferrara appare “finalmente” più sereno e, pur nella durezza dei temi che ama rappresentare, le angosce interiori sono ridotte al minimo. Le ossessioni spirituali dei corpi ferrariani del passato restano un oscuro ricordo, oggi i suoi corpi vivono di una “normalità esistenziale” che non riesce ad esplodere persino dentro un mondo che va in fiamme. L’angoscia interiore si è esteriorizzata e, nel passaggio, il cinema di Ferrara sembra accusare il colpo

Incontro con Abel Ferrara e il cast del film 4.44 Last day on earth. Molta domande sulla natura di questa idea alla base del film e del personalissimo approccio del cineasta. Oltre a Ferrara, rispondono il protagonista maschile Willem Dafoe e la protagonista femminile Shanyn Leigh

Torna in concorso a Venezia, a cinque anni da La bestia nel cuore, la regista italiana Cristina Comencini. E in conferenza stampa si sofferma soprattutto sul lavoro svolto in fase di sceneggiatura e nella scelta delle particolari location. Ma poi difende anche il suo film da qualche attacco ricevuto in mattinata in proiezione stampa, spronando i festival ad accettare di buon grado la semplice emozione

Ancora un altro romanzo della regista, esempio di una dipendenza parola-immagine specchio di uno sguardo borghese dove i problemi individuali sono i problemi del mondo, che parla senza ascoltare e trascina nel baratro anche attorti come Claudia Pandolfi e Filippo Timi, e che ci vuole dire anzi imporre quanto è profondo. Probabilmente lo è, siamo noi che non lo capiamo

La visione di O Girimunho sembra porci sulla soglia di un mistero che le immagini non possono mostrare, ma tutt’al più evocare. Non si tratta però di un’attesa: la vita non smette mai di scorrere. Sta a noi entrarvi in sintonia, abbandonandoci ai ritmi e ai suoni di un mondo rallentato ed arcaico

Il ritratto di una donna straordinaria, già personaggio prima ancora di essere filmato, ma ben reale oltre ogni film. Una donna che vive d’integrità, dignità e sorrisi, anche nei momenti bui. E, solo passando accanto, girando (attorno a) Carolyn e i suoi figli, il film suggerisce la storia di un’intera città, con tutti gli spettri del passato e del presente. Cinema aperto e partecipe, che s’inventa all’infinito e cancella la linea di separazione tra set e produzione, tra cast e crew, tra il campo e il fuoricampo

In Concorso, Hahithalfut (The Exchange), del trentasettenne israeliano Eran Kolirin, al secondo lungometraggio, dopo il successo del 2008, La banda, presentato a Cannes. Un uomo torna a casa in un momento della giornata in cui non è mai tornato, a un’ora in cui la luce la illumina da un angolo diverso e in cui il ronzio del frigorifero è l’unico suono che si riesca a sentire... Da quell’istante la prospettiva sulla propria esistenza, cambia, vira inesorabilmente

Teresa Marchesi ha realizzato un film omaggio alla memoria di Fernanda Pivano. Un lavoro in cui hanno contato l’affetto e il cuore, ma che non ci sarebbe stato senza l’anima della Pivano, mentore e testimone di un’epoca di trasformazioni. Dall’amicizia con Cesare Pavese ai giorni nostri, la Pivano ha condotto per mano un pezzo della storia della cultura a cavallo tra il vecchio e il nuovo continente, tra il vecchio e il nuovo mondo

Un telefono cellulare sostituisce "l’occhio malato" di Pippo Delbono, filmando un diario intimo e personale che non arretra dinanzi a nulla: Amore Carne è un cinema dolorosamente necessario, in cui il regista mette in gioco tutto sé stesso con un coraggio e una lucidità  che meritano il massimo rispetto possibile. Una danza bellissima e sofferta che si muove al ritmo della musica e delle parole, della voce e degli sguardi.

Pillole, frasi colte al volo, curiosità, uscite di testa, collegamenti videocrebrali sfasati, ecc... Ogni giorno con Simone Emiliani dalla 68a Mostra del Cinema di Venezia.

L'eco è quella delle voci intrecciate di anziane tabacchine che ricordano i loro anni di lavoro nel tabacchificio, in qualche modo liberate dal tocco delle mani dei ragazzi che vanno esplorando l’edificio, elemento in più del magma sonoro scatenato dalla visita dei giovani di Tricase ad un palazzo del proprio passato, che risvegliatosi sbadiglia e si stiracchia con versi di lamiera. Alla costante ricerca di vie di fuga

Alessandro Piva con il suo Pasta Nera si inserisce (forse troppo...) nella collaudata tradizione del documentario "storico" italiano. Partendo dalla bellissima avventura di ben 70.000 bambini del Sud che nel secondo dopoguerra, con la nascente Repubblica e in un Paese allo stremo delle forze morali ed economiche, vengono ospitati da famiglie del Nord (soprattutto Emilia Romagna) per crescere senza l’assillo incombente della Fame

Galassia Sion Sono, prendere o lasciare. Himizu è un film bellissimo e sovversivo su una generazione sottoposta a un'insopportabile pressione. Una discesa senza respiratore in tutte le pulsioni più oscure e liminali di più generazioni giapponesi: fisicamente girato nel presente indecifrabile e alienato del dopoterremoto, alle spalle un passato nucleare remoto e prossimo. E il futuro, un urlo di rabbia e di riappropriazione, e forse per la prima volta, di speranza

Sbarca a Venezia Andrea Arnold (acclamata regista di Fish Tank) che porta in concorso la sua versione del classico di Emily Bronte Cime Tempestose. Nuovo e particolare adattamento delle vicende di Heachcliff e Chaterine e del loro tormentato amore. In conferenza stampa la regista è stata particolarmente propensa a descrivere il suo approccio ad un testo così conosciuto e amato dal grande pubblico

Cinema di pancia e di cuore, e perciò inevitabilmente fisico, terribilmente concreto, nonostante la levità del suo stile trasparente. Davvero questa è una storia che arriva all’anima solo girando intorno ai corpi, i segni visibili, a fior di pelle, del vissuto. Ann Hui segue le trasformazioni, i passaggi di tempo. Eppure, quelli che incrociano il suo sguardo sono tutti corpi vivi, animati dalla profondità dei legami e dei sentimenti, che rimangono e si accrescono, a dispetto del venir meno delle forze

Adattamento di Cime tempestose di Emily Brontë totalmente stonato, immerso in un paesaggio contemplativo e in un'autocelebrazione visiva del proprio stile che lascia attoniti, soprattutto rispetto a Red Road e Fish Tank. Nel tentativo di dominare il romanzo, il film finisce invece per essere quello che forse la cineasta non avrebbe mai voluto, cioè un esercizio di stile, con gravi cadute alla Winterbottom

Non c’è più un posto per il cinema di Ermanno Olmi. Non ci sono più alberi degli zoccoli o mestieri delle armi da filmare. Non ci sono più campi aperti da illuminare o mari da solcare. La vita, le cose e il cinema: tutto confinato in una chiesa vuota dal forte sapore bergmaniano che soffoca ogni apertura dello sguardo e (di)segna la sua personale e sincera Apocalisse

Importante videoartista della scena europea, il belga Nicolas Provost non è certo estraneo agli incroci tra arte e cinema. Più precisamente, il suo Invader non è davvero né l'una né l'altra cosa. Tuttavia questa terra di nessuno in cui si colloca non manca di fascino, anche se rimane più di un sospetto di programmaticità

Con Inni la bellissima musica dei Sigur Ròs diventa tridimensionale e azzera lo spazio tra lo spettatore e lo schermo. Il regista Vincent Morisset riesce nell’intento di aggirare la ripetitività del formato (il film è la registrazione live di due concerti) grazie a un superbo lavoro sull’immagine: fotogrammi e note musicali divengono una cosa sola e, quasi come in un film 3D, lo spettatore viene rapito e ipnotizzato dalla magia dell’insieme. Con Inni, la Musica diventa Cinema.

Il regista giapponese Sion Sono, a Venezia lo scorso anno in Orizzonti con Cold Fish, presenta il suo nuovo film, stavolta in concorso: Himizu, accompagnato dgli attori protagonisti, dai quattro produttori e dalla coppia di giovanissimi interpreti, Sometani Shôta e Nikaidô Fumi. Le curiosità della stampa si concentrano soprattutto sul processo di adattamento dal manga di Minoru Furuya e sulla condizione attuale del Giappone dopo il recente terremoto, che ha una parte importante nel film.

Un documentario prezioso, per la forma lucida ma non esaustiva, per la capacità di tracciare una strada ancora tutta da inventare, per la  possibilità di parlare del nostro paese ben lontani dagli stereotipi culturali che lo stanno soffocando

Tusi Tamasese scrive e dirige un film che pur attingendo alla propria tradizione culturale, affronta e mette in scena sentimenti universalmente condivisi. Lontano da qualsiasi fascinazione esotica. O Le Tulafale, prescinde dalla bellezza dei luoghi e il loro occasionale emergere non costituisce mai materia centrale del suo sviluppo. Un cinema degli antipodi, che stempera ogni presunto esotismo nella riconoscibilità generale dei suoi temi

È un peccato che il regista svedese non si sia abbandonato del tutto alla sua intuizione di realizzare la più nitida spy story omosessuale che sia mai stata fatta. Al termine del suo film dopo tanta noia “di classe”, rimane il rimpianto per aver intravisto una chiave, gli indici di un melodramma in potenza che purtroppo rimangono sfumature dentro un involucro monodimensionale

Todd Solondz presenta il suo Dark Horse, in concorso a Venezia 68, accompagnato dagli interpreti, Selma Blair e Jordan Gelber, e dallo storico produttore Ted Hope

Tomas Alfredson incontra la stampa del festival di Venezia, letteralmente circondato da un cast eccezionale. Gary Oldman, Colin Firth, John Hurt, Benedict Cumberbacht, Mark Strong e lo sceneggiatore Peter Straughan. Il suo film in concorso è "Tinker, Tailor, Soldier, Spy", tratto dall'omonimo romanzo di John Le Carrè, da noi in Italia tradotto con il titolo "La talpa". Stesso titolo che avrà l'adattamente cinematrografico qui da noi

Arriva in concorso A Simple Life, il nuovo straordinario film di Ann Hui, protagonista assoluta del cinema hongkonghese. Ispirato a una storia vera, intima e toccante, il legame tra il produttore Roger Lee e Ah Tao, la donna di servizio che lo ha accudito sin da bambino, A Simple Life affronta i temi della vecchiaia e della malattia. Il film è interpretato da Andy Lau e da Deanie Yip. Il resoconto della conferenza stampa

Era difficile, quasi impossibile contenere Vasco. Per la sua vita, la sua musica, ci sarebbe voluta una trilogia, forse lo diventerà. Al di là dei limiti didascalici,questo documentario è tutto pro/teso a rincorrere Vasco, vibra di botto con le sue canzoni e ha il grande merito di non averlo inquadrato quando racconta (trappola in cui poteva rischiare di cadere) e crea un legame con Zocca con un atteggiamento simile ai film familiari di Bellocchio

Pillole, frasi colte al volo, curiosità, uscite di testa, collegamenti videocrebrali sfasati, ecc... Ogni giorno con Simone Emiliani dalla 68a Mostra del Cinema di Venezia.

Esibisce la sua tristezza l'opera del regista statunitense, ma ormai il suo giochino è smascherato. I suoi personaggi sono pedine di un labirinto mentale, quasi parodia da sit-com, un cinema dell'aldilà che non sa stare di qua, che vuole far sentire intelligenti, e la comicità, la risata è un senso di colpa. Ebbene, si è contenti di non farne parte. Vedi e dimentica.

Più che un racconto, quella dell’artista visivo Rirkrit Tiravanija è un’installazione che ci colloca a fianco del protagonista, nel suo mondo arcaico ed elementare nel cuore della foresta tailandese. Ma per quanto possiamo permanere a fianco del vecchio Lung, seguendolo in ogni gesto minuto della sua vita quotidiana, ci rimane fatalmente opaco, distante. Forse è un mondo in cui siamo semplicemente di troppo

E’ troppo facile parlare male di L’arrivo di Wang, soprattutto se ci si ferma alle carenze di scrittura, alla qualità degli effetti speciali e ad alcuni momenti esageratamente sopra le righe. Preferiamo invece goderci appieno questo piccolo film, coraggioso e fatto con il cuore: i Manetti Bros guardano all’industria italiana e si fanno una grassa risata, tenendosi lontani dalle altezzosità e ribadendo la natura artigianale del loro cinema. Un film che non va sopravvalutato, ma che merita pienamente tutto il rispetto possibile

Tratto dalla biografia del suo attore Daniel P. Jones, Hail, nella sezione Orizzonti, è una tappa del percorso che il regista, insieme al suo attore e ad altri detenuti ha compiuto lavorando sulle storie di queste persone. Un film che sembra venire da altri tempi e in cui le immagini sembrano consumarsi dentro se stesse. Una singolare potenza creatrice ha guidato la mano di questo giovane regista australiano che speriamo si conservi nel futuro.

Il Cinema, per i fratelli Garriba, è una commovente e dolorosa ultima spiaggia della joie de vivre che non può che portare alla morte. Un cinema fatto di graffi e impeti di vita immersi in un reale diventato ormai impalpabile, inesistente, non pervenuto. È un eterno presente, è il nostro presente. Anche qui a Venezia, dove con questa slendida retrospettiva si riporta alla luce un cinema che orgogliosamente ancora è

Ad accompagnare la proiezione evento della versione definitiva dell'ultimo leggendario film di Nicholas Ray We Can't Go Home Again viene presentato in fuori concorso un documentario della moglie Susan Ray che ripercorre insieme ai vecchi studenti dell'Harpur College quell'incredibile periodo delle riprese del film nel 1971. Documentario con luci ed ombre, a tratti decisamente didascalico, ma a riscattare il tutto è sempre il vecchio Nic con la sua faccia scavata e la sua immortale benda da pirata numero uno del cinema classico

Prima di ritirare il premio alla carriera "Glory to the filmmaker", per il suo Wilde Salomè, Al Pacino incontra la stampa. Al suo fianco la splendida e bravissima Jessica Chastain. Pacino si racconta senza peli sulla lingua, dilungandosi piacevolmente

E' proprio in virtù dei suoi limiti e di alcune ingenuità di fondo che Terraferma ancor di più lascia intravedere i germi di un cinema che ha il coraggio di credere nelle immagini e nelle storie che racconta senza filtri commerciali o intellettualistici. Crialese non chiede nulla agli altri, puntando solo sulla sua capacità di aprirsi al respiro della terra e dell'acqua, senza dimenticare di filmare l'uomo. E alcuni momenti rimangono impressi con una forza poco comune nell'attuale panorama cinematografico italiano

Conferenza stampa molto affollata quella che ha accolto il primo film italiano in concorso, ovvero terraferma di Emanuele Crialese. Assieme al regista e al produttore Vittorio Moroni, c'erano gli attori principali tra cui Giuseppe Fiorello, filippo Pucillo, Mimmo Cuticchio e Donatella Finocchiaro.

L' opera prima del regista Guy Edoit, è interessante sotto molti aspetti. La costruzione della fisionomia caratteriale dei personaggi e l’interazione fra loro è il punto di forza indiscusso del film. Che inoltre ha la rara capacità di passare, all’apparenza involontariamente, più volte da un punto di vista all’altro senza quasi che lo spettatore riesca a realizzarlo

L’ambiente domina il corpo. Ma, al tempo stesso, è solo il corpo ad avere il potere di vivificare il mondo. Il discorso di McQueen è perfettamente conseguente, inesorabile. Ma rimane una domanda, fondamentale, irrisolta. Fino a che punto si può rinchiudere il proprio cinema nel tracciato deciso e sicuro di un discorso che imprigiona i nostri occhi e le nostre emozioni? McQueen, dopo aver costruito la sua gabbia, improvvisamente la fa saltare, la incendia con i fuochi del dramma. Per un attimo sembra confessare i suoi limiti volontari. O forse è solo una nostra impressione. Un nostro desiderio

Sempre più James Franco ci appare come un magnifico sperimentatore culturale dei nostri tempi, utilizzando territori “popolari” (gli Oscar e attori cult), per giocare con un’idea di cinema che sembra volere dissestare l’idea di sguardo che ci portiamo dietro da sempre. SAL sembra quasi operare una sorta di risarcimento culturale: restituirci quel cinema che, per un folle destino, Sal Mineo non è riuscito a realizzare

Come aveva già fatto con Proust in La Captive (2000) Chantal Akerman decostruisce il testo di Conrad lavorando di coltello, lo disossa e ne restituisce il cuore, girando un film insidioso, sontuoso e ammaliante carico di una bellezza pronta a disfarsi. Siamo in un'Asia astratta e metafisica; c'è la letteratura, ma soprattutto una lettura interpretativa quasi visionaria
 

Interesse e scalpore ha suscitato il film di Steve McQueen Shame, opera seconda dopo il potente e scioccante Hunger. Alla conferenza stampa il regista ha raccontato il progetto insieme al suo attore protagonista Michael Fassbender.

Pacino finge di girare un documentario sulla realizzazione della vera rappresentazione di Salomè, restando fedelissimo alla parola di Oscar Wilde ma inabissando ogni consuetudine di messa in scena (teatrale e documentaristica) avendo in realtà un unico scopo: girare un Film. Far (ri)nascere l’emozione dallo Spettacolo Cinematografico della sua stessa vita che è sempre stata, guarda caso, "recitazione"

Pillole, frasi colte al volo, curiosità, uscite di testa, collegamenti videocrebrali sfasati, ecc... Ogni giorno con Simone Emiliani dalla 68a Mostra del Cinema di Venezia.

L’universo del regista greco si muove su due cardini: la messa in scena che a forza di ripetersi genera l'imprevisto (Kinetta, 2005) e i microsistemi autoalimentati che implodono con violenza (Kynodontas, 2009). Li ritroviamo entrambi in Alpis: il mondo contemporaneo è devastato, un acquario abitato da humor&thanatos e dove il sesso invece è quasi sempre un buffo incidente