P.S. I LOVE YOU (P.S. Ti amo)
Usa 2004, 35 mm., 110', col.

Regia: Dylan Kidd; Sceneggiatura: Helen Schulman e Dylan Kidd (dal 
romanzo omonimo di Helen Schulman); Fotografia: Joaquin Basa-Asay; 
Montaggio: Kate Sanford; Scenografia: Stephen Beatrice;  Interpreti: 
Laura Linney, Topher Grace, Gabriel Byrne, Marcia Gay Harden, Paul 
Rudd; Produzione: Hart-Sharp Entertainment.

Louise Harrington, trentottenne newyorkese responsabile delle 
ammissioni alla Columbia University' s School of Fine Arts, e' una 
donna divorziata, traumatizzata da anni per una tragedia avvenuta ai 
lontani tempi del liceo, quando il suo fidanzato, un giovane pittore 
di talento, scomparve improvvisamente in un incidente stradale. La 
sua vita, fino a quel momento solitaria e volontariamente priva di 
emozioni, subisce una repentina svolta quando Louise s'imbatte nella 
scheda di ammissione di un ragazzo che, non solo ha lo stesso nome 
del suo unico grande amore Scott Feinstadt, ma gli assomiglia in 
maniera sorprendente. Ossessivamente convinta si tratti della sua 
reincarnazione, Louise si innamora disperatamente del ragazzo, e 
inizia cosi' un'appassionata relazione che si rivela anche un viaggio 
alla riscoperta di se stessa.

Al suo secondo lungometraggio, dopo il fulminante Roger Dodger 
(presentato alla Settimana Internazionale della Critica di Venezia 
nel 2002, dove ottenne ex-aequo il Premio De Laurentiis per la 
Miglior Opera Prima), Dylan Kidd realizza una deliziosa favola 
romantica dalle venature misteriose, solo apparentemente lontana dal 
fertile cinismo e dalle asprezze del suo film d'esordio. Nel seguire 
le vicende di Louise Harrington, ossessionata dalla ricomparsa del 
fantasma del suo primo ed unico amore, Dylan Kidd agisce sulle forme 
della "romantic comedy" accettandone solo in parte i codici 
rassicuranti, e si conferma cosi' non solo grande sceneggiatore (da 
un romanzo di successo di Helen Schulman) ma dimostra in maniera 
evidente le proprie doti di sensibile regista. P.S. I Love You e' 
insomma l'esempio del miglior cinema indipendente americano capace di 
coniugare la tradizione dei generi classici con la freschezza della 
scrittura innovativa delle ultime generazioni. Laura Linney (Mystic 
River, The Truman Show, You Can Count On Me), superba protagonista, 
affiancata da Gabriel Byrne e dal giovane Topher Grace, garantisce al 
film di Dylan Kidd un sicuro valore aggiunto.

Dylan Kidd si e' laureato alla New York University's Tisch School of 
the Arts. Il suo film d'esordio Roger Dodger, presentato alla 
Settimana Internazionale della Critica, ha vinto il Leone del Futuro 
alla Mostra Internazionale del Cinema di Venezia del 2002. P.S. I 
Love You e' il suo secondo lungometraggio.

KOI NO MON (Otakus in amore) 
Giappone, 2004, 35mm, 114', col.

Regia: Matsuo Suzuki. Sceneggiatura: Matsuo Suzuki (dal manga di 
Hanyunyu Jun). Fotografia: Fukumoto Jun. Montaggio: Ueno Souichi. 
Musica: Hayama Takeshi. Interpreti: Matsuda Ryuhei, Sakai Wakana, 
Matsuo Suzuki, Tsukamoto Shinya, Miike Takashi. Produttori: Ogawa 
Shinji, Amagi Morio, Nagasaka Makiko.

Il giovane Aoki Mon convive con i genitori, e' sessualmente vergine, 
ma e' anche un particolare autore di manga: ama realizzarli sulle 
pietre. Questa peculiarita' artistica ovviamente non gli consente di 
affermarsi e di guadagnare. Sbarca il lunario lavorando invece in 
tutt'altro contesto. Ma proprio a causa del suo talento artistico si 
trova spesso nei guai. Casualmente conosce Koino, una ragazza 
altrettanto appassionata e autrice misconosciuta di manga. Con lei 
inizia un sodalizio sentimentale e professionale, fatto di imbarazzi, 
difficolta', fughe e conflittualita', che ha come cornice un universo 
eccentrico fortemente condizionato dall'immaginario dei manga. Un 
concorso per autori giovani e meno giovani sara' l'occasione per i 
due di mettere alla prova ambizioni e sentimenti. Vi partecipa anche 
il piu' noto Marimoda, che gestisce un bar per appassionati e si 
sente all'improvviso ispirato da una fugace relazione con Koino. 

La sottocultura dei "manga" (i fumetti nipponici, da non confondere 
con i film di animazione o "anime") corrisponde, per i suoi cultori 
un vero e proprio mondo parallelo che non conosce soluzioni di 
continuita' tra realta' e immaginazione. Il merito principale di Koi 
No Mon e' di essere un divertentissimo, ironico e soprattutto 
autoironico ritratto di questo universo. La struttura narrativa 
estremamente semplice (una love story tra due ragazzi aspiranti 
autori di manga) trascende e traslittera il dato naturalistico per 
approdare ad una concezione estetica e espressiva caratterizzata dai 
cromatismi esasperati, dalle repentine accelerazioni, 
dall'eterogeneita' tonale e  dalle infinite variazioni del tracciato 
principale. Koi No Mon e' un film sul manga-pensiero costruito come 
un manga: non c'e' nulla di gratuito o di puramente stravagante 
nell'eccentricita' dei personaggi, tra cui anche i registi Tsukamoto 
Shinya e Miike Takeshi in due preziosi e emblematici camei. Il film e 
l'autore si prendono gioco della compiaciuta alienazione che porta i 
protagonisti a vivere come una sottospecie umana con i propri codici 
e le proprie ossessioni. Dietro questa parabola sul popolo dei 
"fumettari" si cela una malinconica e lucida analisi sociologica 
della condizione giovanile e in generale dell'immaginario collettivo 
contemporaneo che si autocondanna ad una proiezione di se stesso in 
chiave artificiosa e irreale. Un fenomeno che in Giappone trova 
un'esasperante esemplificazione.

Matsuo Suzuki e' un noto regista, commediografo e attore teatrale 
(dal 1988 a capo della compagnia Otona Keikaku), nonche' giornalista, 
saggista e romanziere. Come attore ha anche preso parte a molti film, 
tra cui Koroshiya (2001), Chicken Heart, The Choice of Hercules e 
Ping Pong (tutti del 2002). Koi No Mon segna il suo debutto dietro la 
macchina da presa.

LE GRAND VOYAGE (Il grande viaggio)
Marocco-Francia, 2004, 35 mm, 105', col.

Regia: Ismaël Ferroukhi; Sceneggiatura: Ismaël Ferroukhi; Fotografia: 
Katell Djian; Musica: Fowzi Guerdjou; Interpreti e personaggi: 
Nicolas Cazale, Mohammed Majd; Produzione: Ognon Pictures. 
Distribuzione internazionale: Flash Pyramide International.

Sentendosi forse prossimo alla morte, Mustafa', un anziano marocchino 
emigrato in Francia, si accinge a realizzare il sogno di un'intera 
esistenza: recarsi  in pellegrinaggio alla Mecca, viaggio che ogni 
buon musulmano deve compiere almeno una volta nella vita. Non potendo 
contare su nessun altro, chiede al figlio Reda di essere accompagnato 
nel lungo viaggio. Reda, assai distante dalle tradizioni e non in 
buoni rapporti con il genitore, vorrebbe esimersi da questa 
incombenza, ma non puo' rifiutarsi. Strada facendo pero', in 
automobile da Marsiglia a Istanbul, attraverso un'Europa sempre piu' 
vicina all'Islam, e poi da Damasco alla Mecca, Reda impara a 
conoscere e a condividere la prospettiva paterna. Ma alla Mecca 
l'uomo, dopo essersi recato in preghiera, non fa ritorno. E a Reda, 
mescolatosi alla folla dei pellegrini, non resta che cercarlo, forse 
invano. 

Ferroukhi concepisce la sua opera prima di finzione come un road-
movie verso la Mecca, meta spirituale dei due emblematici 
protagonisti. Il viaggio non e' quindi soltanto quello fisico e 
diuturno che vede assieme un genitore e un figlio, ma anche un 
percorso di crescita e di formazione che serve in primo luogo ad 
accorciare le distanze tra due generazioni e, implicitamente, tra due 
culture e due concezioni della vita. Da un lato il padre cerca di 
seguire testardamente e anacronisticamente il suo credo, forte di un 
distacco (quasi un rifiuto orgoglioso) verso il presente, foriero 
solo di lusinghe tecnologiche e consumistiche. Sul versante opposto, 
ma complementare, il figlio subisce dapprima la volonta' paterna tra 
incomprensioni e momenti umoristici. Poi pero' riconosce come questo 
muro che li divide sia solo il frutto di un reciproco pregiudizio 
generazionale e culturale destinato a lasciare il posto a una 
complicita' crescente, fatta di silenzi e di sguardi. Attraverso 
questa parabola sul recupero di uno spazio interiore tra due mondi 
drammaticamente conflittuali, il regista intende recuperare, seguendo 
l'esempio di Monsieur Ibrahim e i fiori del Corano, la valenza 
imprescindibile di un dialogo necessario e crocevia obbligato per una 
ricomposizione delle fratture geopolitiche del mondo attuale.

Nato a Kenitra (Marocco) nel 1962, Ismaël Ferroukhi e' cresciuto a 
Crest, nel sud della Francia. Ha esordito nel cinema con il corto 
L'expose' (1992), che, vincendo numerosi premi, gli ha permesso di 
collaborare alle sceneggiature di alcuni film di Ce'drik Kahn, come 
Trop de bonheur (1994), Tous les garçons et les filles deur âge e 
Culpabilite' zero (entrambi del 1996). Ferroukhi ha diretto il corto 
L'inconnu con Catherine Deneuve, all'interno della serie Court 
toujours di Arte e Canal Plus, e i telefilm Un e'te' aux hirondelles 
(1997) per France 2 e Akim (1998) per la Gaumont, incentrati tutti 
sul tema dell'Islam e dell' integrazione.

LES LIENS (Legami)
Francia 2004, 35 mm., 95', col.

Regia: Aymeric Mesa-Juan; Sceneggiatura: Aymeric Mesa-Juan; 
Fotografia: Maxime Jouy, Hugues Gemignani, Cle'mentin Roger-Mazas 
Montaggio: Aymeric Mesa-Juan, Yannick Coutheron, François de Galard; 
Suono: Je'rôme Pierrot, Emmanuel Rassat, Clafre Combaluzier; Musica: 
Raphaël Bancou;  Interpreti: Anne O'Dolan, Aymeric Mesa-Juan, Nicole 
Kaufman, Axel Mousset, Denis Daniel, Chantal Patron, Miren Pradier, 
Philippe Quercy; Produzione: Clown Productions.

Mado fa la cassiera in un supermercato. Julien e' l'autista di Noerc, 
un industriale di provincia. Julien e Mado vivono assieme da molti 
d'anni. Hanno un figlio di cinque anni, affetto da una malattia che 
lo ha reso disabile. Ma il vero problema e' che Julien ha un'amante, 
Christine, che e' poi la figlia del suo datore di lavoro: non si 
tratta di una semplice relazione extraconiugale, perche' i due 
vorrebbero vivere assieme e non vedersi di nascosto. Tuttavia Julien 
sembrerebbe incline a restare con Mado, ma solo per amore del 
bambino, le cui condizioni di salute nel frattempo si sono aggravate. 
Mado pero' non regge questa situazione e, appena Julien la lascia, 
davanti alla sofferenza del figlio ricoverato in ospedale, alla 
propria incapacita' di reagire, al senso di solitudine e di 
disperazione, la donna reagisce tragicamente con un gesto 
imprevedibile.

Non capita spesso che un'opera di alto rigore stilistico riesca 
contemporaneamente a veicolare un'attenzione immediata e quasi a 
stabilire un rapporto di viva interazione con ogni fascia di 
pubblico. E' questo il maggior pregio di Les liens: esso ci conduce a 
ritroso nei meandri di una tragedia che si consuma gia' nella 
sequenza iniziale, in cui la madre, sulla falsariga della Medea 
teatrale, porta alle estreme conseguenze il suo implacabile 
proposito. Il film analizza un simile gesto addentrandosi in un 
passato che poco per volta ci ricongiunge, ma non ci concilia, con 
l'esito annunciato di questo rapporto coniugale. Lungi da ogni 
moralismo o da qualsiasi giustificazione, Les liens analizza i 
meccanismi sentimentali, psicologici e comportamentali di un 
triangolo amoroso che sortisce un effetto sconvolgente,  riportandoci 
alle cronache attuali di infanticidi domestici in cui molto spesso la 
realta' supera l'immaginazione. Memorabile a questo riguardo e' la 
penultima sequenza, che prelude a quella inaugurale: Mado prende 
progressivamente coscienza della sua disillusione, nel corso di una 
lunga e solitaria camminata verso l'ospedale che ricorda sotto molti 
aspetti la dinamica dell'epilogo di Mouchette di Robert Bresson.

Aymeric Mesa-Juan e' nato a Parthenay nel 1971. Conseguita la laurea 
in Filosofia e in Cinema, comincia ad insegnare filosofia al liceo 
Jean Mace' di Niort. Abbandona la docenza nel 1999 per fare il clown 
sino al 2003, anno al quale risale anche la sua prima apparizione 
come attore nel cortometraggio di Ron Dyens, Derrie're les fagots. 
Tra il 2002 e il 2004 scrive e realizza Les Liens, il suo 
lungometraggio d'esordio, primo di una trilogia che, dopo Medea, 
dovrebbe portare sullo schermo Le vrai e La guerre, adattamenti a 
loro volta dei miti di Antigone e degli Atridi, di Agamennone e 
Menelao.

SAKENINE SARZAMINE SOKOOT (Dalla terra del silenzio)
Iran 2004, 35 mm., 70', col.

Regia: Saman Salur. Sceneggiatura: Saman Salur. Fotografia: Masood 
Salami. Montaggio: Saman Salur. Musica: Mehrdad Nosrati. 
Interpreti:Hossein Bande-Ali, Hassan Bande-Ali, Omid Rokhafrooz. 
Produzione: Sheherazad Media International.

Due fratellini in una regione sperduta dell'Iran vivono alla 
giornata. Il primo pascolando le pecore del gregge che il severo 
padre gli ha affidato durante le sue lunghe assenze, il secondo 
trafugando benzina dai camion in sosta nelle stazioni di servizio e 
nei depositi per poi rivenderla sulla strada ai camionisti di 
passaggio. Il piccolo pastore ha pero' una passione che tiene 
nascosta al genitore: una bicicletta che per sicurezza ha nascosto 
sotto la sabbia, il piccolo ladro incontra invece un camionista che 
gli offre un passaggio, e instaura con lui un rapporto d'amicizia. 
Quando il padre torna a casa punisce il primo dei due figli per 
essere stato troppo distratto con il gregge, mettendogli fuori uso la 
bicicletta. Ma il ragazzo la rimette in sesto e si ricongiunge con il 
fratellino, stanco di trascorrere la vita a rubare, per poi 
raggiungere l'uomo incontrato sulla strada e abbandonare finalmente 
l'ingrata "terra del silenzio".

Il cinema iraniano nel suo complesso ha un grande pregio: si rinnova 
spesso nella continuita', sovvertendo impercettibilmente i codici di 
un linguaggio fondato sul realismo minimale per approdare ad una 
concezione esplicita della critica sociale, prima ancora che 
politica. Sakenine sarzamine sokoot e' la prova di come siano nel 
contempo lontani ma fertili gli insegnamenti di Kiarostami, Naderi e 
Makhmalbaf. E che occorre svilupparli e affrontarli in una chiave 
nuova che ne ridimensioni le componenti simboliche e allegoriche a 
favore del racconto puro. In questo film colpiscono non tanto scelte, 
comunque felici e significative, come quella di assumere il punto di 
vista dei due bambini – essendo l'infanzia il piu' classico elemento 
di connotazione del migliore cinema iraniano – bensi' il tema 
centrale della benzina trafugata, poiche' proprio la benzina rimanda 
al prezioso petrolio che, pur essendo la vera e inconfessabile causa 
scatenante dei conflitti attuali, scarseggia nella vita quotidiana 
degli abitanti indigenti dei massimi paesi produttori. Il bambino 
ladro e' l'emblema di una nazione che non puo' permettersi di 
possedere e consumare cio' che produce e esporta, mentre il 
fratellino pastore rappresenta la conseguenza materiale e psicologica 
che colpisce l'altra parte della societa' iraniana, costretta a una 
sottomissione apparentemente eterna. La poesia di questo film, teso e 
stringato, diventa percio' la grande occasione di osservare una 
situazione paradossale, dall'interno.

UNA DE DOS (Una delle due) 
Argentina 2004, 35 mm., 88' , col.

Regia: Alejo Hernán Taube; Sceneggiatura: Alejo Hernán Taube; 
Fotografia: Segundo Cerrado; Montaggio: Alejo Hernán Taube, Alejandro 
Carrello Penovi; Scenografia: Martin Ameztoy;  Interpreti: Jorge 
Sesán, Jimena Anganuzzi, Renata Aielo, Ariel Staltari; Produttore: 
Alejo Hernán Taube.

Argentina, 2001. Il paese vive i drammatici momenti di una profonda 
crisi economica che causa disordine, depressione e sommovimenti 
politici e soprattutto riduce drasticamente il tenore di vita di 
larghe fasce della popolazione. A Estacion Cortes, un piccolo 
villaggio a 80 km da Buenos Aires, il giovane Juan Martin Hernandez, 
detto "il Biondo" lotta con disperata ostinazione contro un destino 
di rassegnazione a cui sembrano soggiacere tutti i suoi coetanei. 
Nemmeno una fugace passione per una coetanea riesce a placare la sua 
ansia. Per trovare i soldi che gli consentano di aiutare la famiglia, 
gli amici e la sua fidanzata, Martin si lega a dei loschi spacciatori 
di denaro falso e nonostante scaltrezza e abilita' finisce, a causa 
di una delazione, per mettersi nei guai con la giustizia. Attorno a 
lui gli abitanti del villaggio, protagonisti di una coralita' che fa 
i conti con la dura realta' del quotidiano, cercano semplicemente di 
sopravvivere.

Uscendo dai temi soprattutto intimi e personali e dalla messa in 
scena spesso minimalista tipici di certo cinema argentino di oggi, il 
film di Taube sembra voler rinnovare la vaga Argentina che 
sorprendentemente ha dato vita da ormai piu' di cinque anni a una 
lunga serie di opere di grande impatto. Una de dos affronta i temi 
politicamente forti dell'Argentina degli ultimi anni, ma Alejo Taube 
evita il facile sociologismo e sposta lo sguardo nella periferia 
della capitale. Pedinando con un realismo segnato da una sensibilita' 
acuta, i personaggi che popolano un piccolo villaggio e seguendone le 
vicissitudini, il regista argentino ci propone un intensissimo film 
corale, nel quale il ruolo dell'antieroe, "il biondo" Martin, funge 
da motore cognitivo: in questo senso, neanche i contrappunti 
mediatici, le notizie e le immagini che giungono dalla televisione, 
riescono a sovrapporsi all'urgenza e alla flagranza del vissuto 
quotidiano. 

Alejo Hernán Taube e' nato a Buenos Aires nel 1972. Dopo aver 
studiato musica alla Scuola Superiore di Jazz e regia cinematografica 
all'Universita' del Cinema, ha iniziato a lavorare realizzando 
videoclip e spot pubblicitari. Il cortometraggio Estudio e' del 2000. 
Nel 2001 ha firmato una serie di tre documentari intitolati Ritos de 
Frontiera. Una de dos e' il suo primo lungometraggio. 

UNINHIBITED (Disinibiti)
Taiwan, 2004, 16mm, 70', col.

Regia: Chen Leste. Sceneggiatura: Chen Leste. Fotografia: Yao Heng-
Yi. Montaggio: Chen Leste. Musica: Lin Rez, Chen Ray-Kai, Hu Pi-
Lieth. Interpreti: Huang Heng-Sheng, Han Yi-Ban, Hsu An-An, Chi 
Justine, Ke Huan-Zu. Produzione: Triple Film House.

Quattro ragazzi di Taiwan tra i diciotto e i vent'anni, due ragazze e 
due ragazzi, affrontano il passaggio dall'adolescenza all'eta' 
adulta, consumando le giornate tra esperienze di vario genere, che 
comprendono il sesso, il suicidio, l'aborto, l'omosessualita', le 
amicizie studentesche, la droga, il vagabondaggio per le strade e 
l'assenza di prospettive per il futuro. Nelle loro esistenze di 
teenager ribelli non ci sono direzioni precise, ma solo momenti, 
episodi, brevi circostanze di coinvolgimento collettivi, scanditi da 
capitoli emblematici ("Morte", "Capelli", "Tatuaggi", "Fotografie").

Il fascino maggiore di questa mirabile e struggente opera prima di 
Chen Leste, appena ventitreenne, sta nella sua perfetta 
compenetrazione con gli eventi apparentemente casuali che 
caratterizzano, senza gerarchia ne' senso romanzesco esteriore, le 
vite di quattro giovani, ancora legati a un retaggio culturale o 
sottoculturale di chiara matrice adolescenziale. Il film li segue, 
tratteggiando una serie di piccoli episodi apparentemente slegati e 
anonimi. Eppure, grazie a una suddivisione per capitoli (quattro, 
tanti quanti sono i protagonisti) si sottolinea una drammatica 
realta': quella di una generazione letteralmente abbandonata a se 
stessa, incapace di trovare uno sbocco dentro una societa' che sembra 
non riguardare niente e nessuno e funzionare secondo regole 
sfuggenti, lontane, incomprensibili. I ragazzi del film fanno 
quadrato tra loro, si amano, si uccidono, si sganciano dal mondo 
attraverso la droga, a volte mettono al mondo nuove creature con la 
stessa inconsapevolezza con cui probabilmente hanno cominciato a 
muovere i primi passi. Tutto cio' che serve a connotarli e a dare un 
senso alle loro giornate sono accadimenti inaspettati e drammatici 
(il capitolo "Morte"), modi simbolici di manifestarsi ed esprimersi 
in chiave di appartenenza ad un gruppo o di distinzione dagli altri 
coetanei ("Capelli" e "Tatuaggi") o infine forme di lettura del 
presente circostante ("Fotografie") equivalenti ad occasioni preziose 
di autocoscienza disincantata e talvolta tragica. La capacita' di 
analisi di Unihibited e' eccezionale, perche' nasce da una lucidita' 
di sguardo mai moralistica che traduce la precarieta', la 
rarefazione, la scarsa nitidezza e la fragilita' dei protagonisti in 
scelta estetica rigorosa, grazie alla costruzione rapsodica del 
racconto.

Diplomatosi a Taiwan alla Fu-Schin Trade and Art School e laureatosi 
alla Chung-Yuan Christian University, prima di esordire quest'anno 
nel lungometraggio con Unihibited, il ventitreenne Chen Leste ha 
realizzato cortometraggi (Fade Away, 2003) e soprattutto video 
musicali (Distance, 2002; Christmas Tie, Catch the Murder, Lonely 
Portrait, 2003; Tomorrow, 2004).

VE LAKACHTA LECHA ISHA (Prendere moglie)
Israele, 2004, 35mm, 97', col.

Regia: Ronit e Shlomi Elkabetz. Sceneggiatura: Ronit e Shlomi 
Elkabetz. Fotografia: Yaron Scharf. Montaggio: Joel Alexis. Musica: 
Michel Korb. Interpreti: Ronit Elkabetz, Simon Abkarian, Gilbert 
Melki. Produttori: Marek Rozenbaum, Itai Tamir, Jean Philippe Reza. 
Produzione: Transfax.

Haifa, 1979. Vivian e Eliyahoo, ebrei di origine marocchina, sono 
sposati e hanno due figli. Una sera i fratelli di Vivian nel 
tentativo di evitare il divorzio la scongiurano di non abbandonare il 
tetto coniugale. La donna, davanti alla disponibilita' del marito 
pronto alla riconciliazione, accetta. Ma ben presto le ragioni della 
tensione domestica riaffiorano. Eliyahoo, sempre sostenuto 
dall'anziana madre che vive con loro, pretende dalla moglie e dai 
figli una rigida osservanza dell'ebraismo.. La sua silenziosa 
autorita' trasforma la vita familiare in un inferno. Vivian, che 
vorrebbe essere un'israeliana emancipata si sforza di non cedere alla 
tentazione di abbandonare il marito per un vecchio amore 
improvvisamente ripresentatosi, ma e' comunque in trappola. Il 
marito, serafico e insensibile, continua a non ascoltarla. Anche i 
figli, molto legati alla madre, si trovano nella stessa condizione. 
Dopo un ennesimo scontro la situazione precipita e si ritorna al 
punto di partenza.

Concepito come dramma da camera, Prendere moglie offre un complesso 
ritratto femminile, dove il conflitto tra coniugi si consuma 
attraverso progressive tappe di un'incomprensione implicita in una 
concezione della famiglia, dove la figura maschile esercita 
un'autorita' tanto blanda quanto implacabile. Il grande merito di 
questo capolavoro, codiretto non a caso dalla stessa protagonista, 
dotata di straordinaria personalita' recitativa e carisma 
intellettuale (memorabile e' anche la sua interpretazione in Alila di 
Gitai) consiste nel mantenere la crisi dentro un contesto fatto di 
quotidiani consuetudini doveri e di quotidianita'. Concepito 
all'interno di una societa' permeabile ma contraddittoria, dove 
l'aspetto religioso assume una forte connotazione maschilista e 
conservatrice, Prendere moglie esplora un microcosmo borghese 
particolare come quello israeliano. Il film si avvale di una sapiente 
messa in scena, che sfrutta la forza drammaturgica e simbolica delle 
inquadrature, essenziali e pregnanti, cosi' come di dialoghi a dir 
poco magistrali. Basterebbe la sola sequenza iniziale, con il volto 
in primo piano della donna afflitta dalle voci fuori campo delle 
preghiere maschili, per comprendere come il film sia profondamente 
consapevole del ruolo della moglie – madre, sacrificata a garanzia 
dell'intera comunita'. 

Interprete di punta della televisione, del teatro e del cinema 
israeliani, Ronit Elkabetz, prima di esordire dietro la macchina da 
presa con Prendere moglie (codiretto dal fratello Shlomi Elkabetz), 
ha vinto come migliore attrice nel 1994 e nel 2001 l'Oscar nazionale 
rispettivamente con Sh'chur di Shmulik Hasfari e Matrimonio tardivo 
di Dover Kossashvili, per il quale e' stata premiata anche ai 
festival di Salonicco, Buenos Aires e Survey. Nel ruolo della 
poliziotta esasperata dai vicini, e' stata anche una delle interpreti 
principali di Alila (2003) di Amos Gitai. Or (2004) di Karen Yedaya, 
di cui e' protagonista, ha vinto la Came'ra d'Or all'ultimo festival 
di Cannes.
 
BUTTERFLY (Farfalla) 
Hong Kong 2004, 35 mm., 124' , col.

Regia: Yan Yan Mak; Soggetto: Chen Xue; Sceneggiatura: Yan Yan Mak; 
Fotografia: Charlie Lam; Montaggio: Yan Yan Mak; Interpreti: Josie 
Ho, Eric Kot, Tian Yuan, Isabel Chan, Joman Chaing; Produzione: Lotus 
Film.

Flavia, una trentenne insegnante di Hong Kong, sposata con un figlio, 
e' arrivata ad un momento della propria vita in cui ha bisogno di 
scegliere tra la famiglia e una nuova storia d'amore. Solo che la 
scelta e' piu' traumatica del solito, poiche' fa emergere una parte 
di se' che appartiene al passato apparentemente seppellito: Flavia si 
innamora infatti di una giovane ragazza, incontrata per caso in un 
supermercato, e lo fa con passione ed abbandono, ritrovando la stessa 
intensita' di un suo precedente amore lesbico vissuto durante 
l'adolescenza, nei cruciali anni ottanta segnati anche ad Hong Kong 
dai sommovimenti politici cinesi. Contemporaneamente a questa storia 
d'amore e ai ricordi di quella passata, un'altra coppia di ragazze, 
nella Hong Kong di oggi, lotta contro i persistenti pregiudizi che 
rendono drammatica la loro relazione.
 

Un delicato, appassionato e sensuale melodramma ambientato nella Hong 
Kong contemporanea, dove i pregiudizi sull'omosessualita', ancora 
presenti pur nella modernita' del vissuto, rimandano ad un recente 
passato caratterizzato da profonde trasformazioni sociali ed 
esistenziali comuni a tutto l'estremo oriente. Con personale 
partecipazione, Yan Yan Mak con "Butterfly" non realizza soltanto uno 
splendido film "lesbico", ma conferma, dopo il notevole esordio di 
"Ge ge", la sua predilezione per storie abitate da persone alla 
ricerca di una propria identita', anime spinte da una forte 
determinazione a scoprire zone oscure del passato proprio e di quello 
del loro paese: il tutto con una coscienza sempre piu' evidente dei 
propri mezzi e un qualita' filmica che rimanda ai migliori esempi di 
"genere" della storia del cinema.

Yan Yan Mak e' nata a Hong Kong. Diplomata alla Academy for 
Performing Arts, ha iniziato a lavorare come assistente alla regia e 
art director. Il suo primo cortometraggio, Snapshots, e' del 1998. 
Dopo aver lavorato come assistente alla regia per Wong Kar Wai in In 
the Mood For Love, ha fondato una sua societa' di produzione, per la 
quale ha realizzato il suo primo lungometraggio, Gege, presentato 
nella Settimana Internazionale della Critica di Venezia nel 2001. 
Butterfly e' il suo secondo lungometraggio.

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