Inizia stasera a Milano il FILMMAKER INTERNATIONAL FILM FESTIVAL, in programma fino al 10 dicembre presso lo Spazio Oberdan, l’Arcobaleno Film Center e Casa del Pane.

Alla base ci sarà il cinema documentario e – più in generale – “di ricerca”. Tra i “nuovi” autori portati per la prima volta all’attenzione degli spettatori italiani, figurino nomi diventati col tempo dei classici, da Ulrich Seidl a Frederick Wiseman, da Rithy Panh a Errol Morris.

Il programma si articola in nove sezioni: Concorso Internazionale, Prospettive, Fuori concorso, Sogni e Incubi, Rivoluzioni, Omaggio a Francesco Ballo, Filmmaker Moderns,Fuori formato e Prospettiva Grifi, cui si aggiungono i film di Apertura e Chiusura, per un totale di 103 titoli, di cui 21 in anteprima assoluta e 20 in anteprima italiana.

L’apertura del festival, venerdì 1° dicembre (ore 21.30, Arcobaleno Film Center), è affidata all’anteprima nazionale di L’Atelier, il nuovo film di Laurent Cantet (già vincitore della Palma d’oro per La Classe), presentato con successo al Certain Regard dell’ultimo Festival di Cannes e in uscita l’anno prossimo in Italia distribuito da Teodora Film.

L’estinzione rende liberi di Demetrio Giacomelli, film di fantascienza autarchica, di oscuri ed eccentrici eccessi figurativi tramite i quali il regista dà forma al desiderio di autoestinzione dell’uomo per liberare il pianeta dalla sua presenza. Il sentimento della fine incombe anche in Io ci sono ancora di Gianluca Salluzzo, anche se la figura d’uomo al centro del film prova a opporvi una resistenza.

Il cortocircuito di linguaggi caratterizza Argonauti di Alessandro Penta, che nelle pagine di Apollonio Rodio, scelte per un laboratorio teatrale condotto dagli attori-guide della non-scuola del Teatro delle Albe in un piccolo paese della Basilicata, trova un testo grazie al quale riflettere su antichi e nuovi migranti. Un (s)oggetto che attraversa Italian-African Rhyzome. A Choreography for Camera (+ voice) di Martina Melilli, che partendo dalla storia personale sua e della sua famiglia traccia, in forma di danza, le rotte migratorie attuali o potenziali (nel presente e nel passato) del Mediterraneo.

L’archivio familiare è anche il riferimento di Caterina Biasucci che, mescolando le immagini girate dal padre e quelle realizzate da lei oggi, prova a illuminare le curve di un sentimento amoroso in continua mutazione, inafferrabile come suggerisce il titolo – Appunti sulla mia famiglia – nella sua totalità.

Un dialogo familiare interrotto è invece quello che attraversa il film di Elisabetta Falanga, Il peso del mare, in cui l’autrice e la madre cercano di ritrovare uno spazio comune tra le pareti di casa di fronte al trauma di un dolore, la malattia del fratello.

Il corpo e le sue possibili variazioni sono al centro di film come Odio il rosa! di Margherita Ferri, nel quale due giovani genitori cercano di capire e assecondare l’attitudine della propria figlia in conflitto con le regole del gender che traccia per lei un cammino di scelte – giochi, abiti, immagine – quasi obbligate.

Non è amore questo di Teresa Sala entra nell’intimità del suo “personaggio”, la meravigliosa Barbara, che senza censure racconta tutto di sé esponendo alla macchina da presa l’intimità profonda del desiderio, amare ed essere amati senza paura di mostrarsi per come si è.

Caterina Ferrari, in La gabbia, trasforma i corpi in movimento cinematografico: lo sforzo estremo degli uomini che lottano avviluppando muscoli, lividi, dolore diviene immagine.

Intensità formale e mistero “naturale” caratterizzano Il monte delle formiche di Riccardo Palladino. Un evento legato ai cicli del mondo animale diviene il punto di partenza di una riflessione sul senso della vita e della morte ma anche sulla materia delle immagini.

Esigenza che ritroviamo in Carro di Alberto Baroni dove seguiamo l’enigmatico viaggio dell’Errante, viaggio che nasce da una visione.

Due ritratti per raccontare un universo poetico ed esistenziale: Prologo ed Ecfrasi su Alberto Camerini di Riccardo Giacconi, dedicato al musicista e performer, “l’arlecchino” del rock italiano”; e France – Quasi un autoritratto di Ilaria Pezone, che ci racconta cinefilia e ossessioni di Francesco Ballo, storico docente di cinema e regista sperimentatore. Due personaggi lunari, sospesi tra ansie e autoironia a cui non si può non voler bene.

In occasione della retrospettiva verrà pubblicata una monografia dedicata ad Alberto Grifi firmata da​ ​Annamaria Licciardello per le edizioni Falsopiano.​ ​

Una tavola rotonda e una serie di testimonianze completano il programma.

La retrospettiva è realizzata in collaborazione con Centro Sperimentale di Cinematografia – Cineteca Nazionale e Associazione culturale Alberto​ ​Grifi.

Tra gli ospiti dell’edizione 2017, un posto d’onore spetta a un autentico maestro del cinema francese, Alain Cavalier: 86 anni, noto al pubblico italiano soprattutto per Thérèse (Premio della Giuria al Festival di Cannes e tre César), Cavalier ha scelto da tempo di ridurre al minimo gli ingombri della “macchina cinema” (abbattendo i costi di produzione e aderendo a pieno alle novità introdotte dalla tecnologia digitale) per essere solo davanti alla persona che sta filmando: mettersi a filo dell’inquadratura, all’altezza di chi guarda, cercando sempre di stabilire con il soggetto ripreso un rapporto di consonanza. Filmare per Cavalier vuol dire soprattutto intessere una relazione, riuscire a catturare la particolarità del momento, quando la realtà diventa una questione di complicità. La macchina da presa diviene un mezzo di confronto e lo strumento attraverso il quale avviene un incontro.

I Six Portraits XL che si vedranno in anteprima italiana a Filmmaker sono sei ritratti, ciascuno riporta soltanto un nome proprio, rivela una professione. Pensati all’origine in un formato breve, tredici minuti per la televisione (Arte), poi divenuti di un’ora, sono stati realizzati da Cavalier negli anni: molti uniscono immagini del passato e del presente, quello che lui chiama il «bric-à-brac della vita».

Il sassofonista contralto Ornette Coleman ha vissuto almeno quattro vite artistiche: dagli umili inizi nella scena Rhythm ‘n’ Blues fino al parnaso dell’avanguardia. Il nome di Coleman è immediatamente associato al free jazz; l’album “Free Jazz: A Collective Improvisation” del 1960, che contiene un’improvvisazione collettiva di 37 minuti, è probabilmente il culmine della sua rivoluzione musicale. Coleman conobbe la regista Shirley Clarke alla fine degli anni ’60 e insieme pensarono di realizzare un film sul jazz. Il progetto, dopo un iniziale rifiuto dei produttori, verrà ripreso a distanza di vent’anni in vista dell’inaugurazione, nell’83, del Caravan of Dreams Performing Arts Center che avrebbe salutato il ritorno di Coleman nella sua città natale, Fort Worth, Texas. In Ornette: Made in America Clarke, con l’aiuto di Ed Lachman, decise di mescolare formati diversi, dai 16 mm originali al nuovo Super 16 a video di diversi tipi (dove compaiono Burroughs, Williams, Bowles, Ginsberg), e di seguire l’improvvisazione e le strutture non ortodosse della musica di Coleman, usata come vera e propria “sceneggiatura” del progetto.

Salles per No intenso agora sceglie come riferimento i filmini che la madre gira nel corso di un viaggio in Cina durante la Rivoluzione culturale. La madre del regista nel “diario” che accompagna le immagini riflette su quanto vede e si lascia interrogare dagli eventi. È questo stato di spaesamento che Salles fa suo per esplorare il repertorio del ’68: archivi, spezzoni di film, interviste, manifestazioni. Facce. Strade. Cariche della polizia. Sorrisi. Leggerezza. Lacrime. La morte di Jan Palach a Praga. I suoi funerali. L’angoscia dell’operaia francese quando, dopo giorni e giorni, i cancelli della fabbrica riaprono. Lasciando collimare il suo sguardo con quello della madre, Salles si focalizza sulla “fine”, sul sentimento della “sconfitta”, o meglio sulla distanza tra le “attese” e i “risultati”. Nonostante questo, però, nulla potrà essere come prima.

E il paesaggio italiano che appare nel prisma del ’77 ne mostra più di qualcuna.

Il ’77 scompiglia il senso di “politico”, lo estende ai segni, alla grafica, ai linguaggi che si moltiplicano, all’etere che comincia a essere occupato, alla vita di ogni giorno. Ai corpi, ai gesti, alle scoperte, alla necessità di una diversa consapevolezza.

Lo spunto di partenza di Somniloques sono – appunto – i sonniloqui di Dion McGregor, musicista newyorchese studiato come caso clinico per l’assurda capacità di raccontare, in tempo reale, mentre dormiva, i suoi stessi sogni: una produzione ricchissima di storie, universi surreali e oscuri, umorismo e toni macabri registrati per sette anni dall’amico Mike Barr.

Siegfried A. Fruhauf sarà presente con un programma monografico e una “carte blanche” che intreccia ricerca estetica ed esperienza biografica.

Accanto a Fruhauf, altri due protagonisti della sezione “Fuori formato” saranno la fotografa e videoartista Sharon Lockhart, che in Rudzienko combina il racconto delle vite di alcune giovani donne “difficili” di un centro di socioterapia giovanile fuori Varsavia, e Gustav Deutsch con How We Live – Messages to the Family, un viaggio fra reperti filmici amatoriali raccolti tra Austria, Italia, Olanda, Inghilterra, Stati Uniti, Grecia e Australia.

“Fragrances in Motion Award” è il titolo del contest ideato dalla casa di profumi francese Olibere, in collaborazione con Filmmaker, Festival Mix Milano, Roma Creative Contest e con la media partnership di MYmovies.it e Lolaglam. Potrebbe sembrare bizzarro questo “partenariato” tra un festival come Filmmaker, attento alle sperimentazioni più indocili dell’immaginario, e un brand di profumi, per quanto indipendente e non allineato al sistema delle “grandi marche”, caratteristica che già lo rende vicino alle nostre predilezioni cinematografiche. Ma non è questo il solo punto di incontro. Fragrances in Motion infatti nasce dall’esigenza di coniugare un prodotto a un’immagine, ma non perché ne diventi il veicolo promozionale, o per dirla più banalmente: non per realizzare uno spot.

Ciò che si chiede ai partecipanti al contest, che comprende due categorie, “Amatori” e “Professionisti”, è invece di reinterpretare le essenze, di lasciarsi guidare da un senso, l’olfatto per attivare gli altri. Le immagini non devono quindi essere a servizio del profumo, piuttosto ne devono costituire quasi un contrappunto, in una reciproca ispirazione che vuole mettere in moto creatività ed emozioni.

Ciascuno dei partecipanti al contest riceve una collezione di sette fragranze ideate da talentuosi profumieri quali Amélie Bourgeois, Bertrand Duchaoufour, Luca Maffei. A partire dagli aromi delle essenze, i registi – ognuno con la propria storia e personalità olfattiva – provano a cercarne una interpretazione nelle immagini, in altre storie e in altri luoghi prossimi o lontani, spiazzanti o sentimentali, che trovano compimento nel formato breve.